Tuesday, December 28, 2010

Los mejores discos de 2010 según los escritores de Sound Weekend

Está es la lista de los discos que más escuche durante este año y a los que le tengo mucho cariño. Hay un par cómo the Suburbs de Arcade Fire o el de Avi Buffalo que sí, me los pasé escuchando pero me parece bastante que hayan llegado al top10 de los lectores. Es por eso que con esta nueva lista tenía ganas de rescatar los discos que no llegaron a la otra lista y que a mi pensar fue casi un pecado que no hayan entrado. Los discos están sin numerar por la misma razón que me cuesta tanto calificarlos o cualquier cosa por el estilo. Son cinco discos esenciales y me gusta pensar que ninguno es peor que otro.

Astro Coast es un exitoso album debut que tiene todo lo que tiene que tener una banda que esta a punto de ser escuchada por mucha gente. La banda toma deliberadamente porciones e influencias y agrega su propia dinámica para hacer un album fuerte. Mucha gente va a escuchar cosas distintas cuando escuchen Astro Coast, pero es seguro decir que mucha gente le va a gustar lo que escucha.


La verdad es que no sé qué más agregar a este disco que ya no lo hayan dicho otras páginas y revistas. Es como la banda y el disco que estuve buscando tanto tiempo, con el sonido perfecto que quería y todo. El rock psicodelico acompañado con la voz de Kevin Parker, a la que es imposible no compararla con la de John Lennon. Excelentes solos de guitarra que parece como si los hubieran sacado de grabaciones perdidas de Hendrix, una bateria tambien de la puta madre, no se, escuchar este disco fue hasta amor a primera vista y espero que la persona que se lo baje le pase lo mismo. Tremendo disco del año, y no quiero hablar más porque no quiero cagarla tampoco.


Dan Auerbach y Patrick Carney vivieron casi diez años de su vida en la sombra de The White Stripes, quienes desde que sacaron Whie Blood Cells (2001), se los veia como el único dúo de blues garage rock a tener en cuenta. Sin embargo, las cosas cambiaron, y aprovechando el receso de los hermanos White, The Black Keys sacaron Brothers este mayo. Es considerado el mejor disco de ellos hasta la fecha, con un notable maduramiento en la banda sin dejar la dureza de beats y riffs.


Si tengo que analizar los estilos que componen el nuevo Before Today seguramente me quede corto: desde Alan Parsons hasta Fleetwood Mac, pasando por Bowie es uno de los discos más variados del año y terminando siendo un disco parecido al United o Alphabetical de Phoenix, pero con mucha mucha mucha más experimentación e instrumentalización y un poco de surf garage rock. Liderada por el mismísimo Ariel Pink, un fanático de The Cure, el álbum de la banda sirve como una reivindicación de todo lo que habían grabado antes, en el sentido de que muchas de las canciones son reelaboraciones de canciones anteriores.


Manejando un estilo lo-fi de los ’50 a lo garage revival como el disco anterior, Hippies es un álbum más calculado, con riffs más pegadizos y estribillos singalong. Es un garage muy básico, un ruido alegre con ingeniosos cambios de ritmo que se sienten muy retro. Es un punk sin ser punk, bien simple. 16 canciones simples que no pasan los tres minutos.

Tuesday, December 21, 2010

Los mejores discos de 2010 según los lectores de Sound Weekend

Aunque folk es la palabra que más ayuda a definirlos, Avi Buffalo transciende los limites de varios generos, y es lo que lo hace un disco para tener en cuenta durante mucho tiempo. Suenan a un folk pop psicodelico por momentos, pero con una frescura impresionante: parece imposible no imaginarse a los de MGMT cantando mientras the Magic Nambers y un par Arcade Fire tocan de fondo, inspirados por haber escuchado horas seguidas de the Flaming Lips y the Shins al mismo tiempo.


Después de haber sacado un debut más que curioso, creo que nadie se esperaba un segundo disco de la nueva banda de Jack White y Alison Mosshart. Es un disco perfecto de principio a fin, distorsionado, y muy crudo sobre todas las cosas. Once canciones que me pase escuchando y escuchando sin parar, me sorprende que no haya llegado mejor en la encuesta. Excelentes músicos haciendo excelente música.


Después del mini hiatus que se tomó la banda, Deerhunter volvió al estudio para sacar un nuevo disco. Nadie sabe bien qué es lo que pasa en el estudio cuando las mentes de Bradford Cox y Lockett Pundt se juntan, pero se sabe que el resultado nunca decepciona, y es más, abre la puerta a nuevas formas de escuchar música combinando géneros y sonidos. Y donde la banda fantasma gana en los otros discos con originalidad, el nuevo disco gana en progresividad, con un sonido más constante.


Dan Auerbach y Patrick Carney vivieron casi diez años de su vida en la sombra de The White Stripes, quienes desde que sacaron Whie Blood Cells (2001), se los veia como el único dúo de blues garage rock a tener en cuenta. Sin embargo, las cosas cambiaron, y aprovechando el receso de los hermanos White, The Black Keys sacaron Brothers este mayo. Es considerado el mejor disco de ellos hasta la fecha, con un notable maduramiento en la banda sin dejar la dureza de beats y riffs.


Después de firmar con Sub Pop Records, el dúo de Baltimore se encerrró en una iglesia reconstruida para grabar su nuevo disco. Reforzaron su propuesta dando mayor consistencia a su hasta entonces folk-pop para transformarlo en algo más dream pop. Incorporaron órganos casi de iglesia, que acompañan a la voz cálida de Legrand sumados a los demás instrumentos. Las canciones suenan expansivas y cálidas, en contraste a unas letras que hacen referencia al abandono que hiso la banda al mudarse de Baltimore a New York para grabar el álbum.


En This Is Happening, James Murphy, que ya tiene más de 40, sigue siendo el autor hipster disco-punk que graba con el nombre de LCD Soundsystem. Su nueva fórmula de convertir su crisis de mediana edad en algo bailable, fue una de las mejores ideas que pudo llegar a tener en su carrera. Con 9 canciones que se acercan o superan en su mayoría los 7 minutos, tengo que admitir que no me pareció un disco pesado para nada. O sea, la primera cancion ya dura 8 minutos y pico y la escuchas entera sin darte cuenta.


Con un sonido muy reconocible a lo Vampire Weekend, pero también con otros nuevos, la banda de New York intenta no usar el mismo catálogo de trucos de su álbum debut: instrumentos diferentes, la influencia afro-pop. Y aunque en el fondo no parecen haber cambiado tanto la fórmula, nuevos y precisos sonidos electrónicos ocuparon perfectamente el espacio vacio que en canciones como 'Taxi Cab' o 'Giving Up the Sun' justifican la incorporación de nuevos integrantes al equipo.


Después de sacar uno de los mejores álbumes del 2007, las expectativas con respecto al nuevo disco de MGMT eran gigantes. Arriba de todo esto iba la decisión del grupo de no sacar ningun single, para que Congratulations sea visto como una obra completa y no como un trabajo con un par de canciones que sobresalen. Fue por eso que capaz me esperaba un disco más abstracto y muy experimental pero resultó ser todo lo contrario. El sonido es mucho más amigable pero aún así la psicodelia electrónica está presente en su sonido, desde la excelente "It's Working", pasando por "Siberian Breaks" de 12 minutos de largo, y terminando en "Congratulations": el disco no puede ni empezar ni terminar mejor.


La verdad es que no sé qué más agregar a este disco que ya no lo hayan dicho otras páginas y revistas. Es como la banda y el disco que estuve buscando tanto tiempo, con el sonido perfecto que quería y todo. El rock psicodelico acompañado con la voz de Kevin Parker, a la que es imposible no compararla con la de John Lennon. Excelentes solos de guitarra que parece como si los hubieran sacado de grabaciones perdidas de Hendrix, una bateria tambien de la puta madre, no se, escuchar este disco fue hasta amor a primera vista y espero que la persona que se lo baje le pase lo mismo. Tremendo disco del año, y no quiero hablar más porque no quiero cagarla tampoco.


Ya en la primera escuchada, The Suburbs parecie era un disco mucho más relajado, sin ningun tipo de conceptualidad ni nada, una banda excelente pero con las preocupaciones de cualquier otra. La ambición que viene adjunta a ser Arcade Fire se hace presente, tanto que es imposible escucharlo sin pensar en que va a estar en las listas de cada puta revista. Es un disco muy muy simple para una banda de como siete integrantes, cada uno tratando de aportar su propio ser al tercer disco.

Love Will Tear Us Apart

Joy Division sacó Love Will Tear Us Apart, un single con la canción 'These Days' como lado b, en año después de su disco debut Unknown Pleasures. Ya habían sacado el single Transmission, Licht und Blindheit (un ep de dos canciones), y el single Komakino. Es una de las pocas canciones en que Curits toca la guitarra por lo menos un poco, mientras canta sobre los problemas que estaba teniendo con su esposa Deborah. La letra tambien refleja el marco de pensamientos en el que estaba encerrado antes de suicidarse un mes despues de que el single saliese.

Love Will Tear Us Apart es el único single de la banda que alcanzó un lugar en los charts de Reino Unido. Despues del suicidio de Curtis, salió el '12 del single, y el último disco de la banda, Closer. Joy Division pospuso la gira por los Estados Unidos, tocó un par de recitales como the No-Names, y finalmente se reunieron otra vez como New Order. La canción dió tambien lugar a infintas versiones por varias bandas: Arcade Fire, Swans, the Cure, Bloc Party, son algunas de ellas.

These Days se aleja un poco de la simpleza de Love Will Tear Us Apart, y suena mucho más al Joy Division del último disco the Closer, con un imporante uso en la distorsión de guitarras atrás de la temblorosa voz de Curtis. La canción es también muy conocida por ser una de las cuantas de Joy Division que New Order sigue tocando en vivo.

#150 - Joy Division (1980)

Think Tank

Se dice que Graham Coxon, guitarrista de Blur, estaba distante tanto emocionalmente y personalmente como creativamente del resto de sus compañeros, mientras estaban grabando en 2002 su último disco hasta la fecha. Se dice también que estaba un poco disgustado con la posibilidad que Fatboy Slim fuera el productor de las sesiones para el album. No fue hasta que anunció que le habian pedido que deje la banda que no se supo que estaba pasando con la banda.

El disco resultante de estas sesiones fue Think Tank, considerado uno de los mejores discos de la carrera de la banda, y por lo menos en el top 20 de los mejores discos de la década. La banda, o lo qué quedó de Blur después de que Coxon se fue y quedara Damon Albarn como el motor y cerebro, se reinventó casi completamente. Con una estructura que es constantemente comparada con '13', el album no tuvo miedo de usar samplers y loops, con importantes sonidos electrónicos: de vez en cuando se lo refiere a Think Tank como el mejor disco de Gorillaz, más que de Blur.

Casi como Parklife, Think Tank es también vagamente un album conceptual: las canciones tratan sobre temas en común aunque no necesariamente siguen una historia definitiva o presenta personajes continuos. La mayoría surgen de preocupaciones y temor a la paranoia y a la alienación de la cultura británica. El disco fue grabado en territorio arabe, justo en tiempo en que Reino Unido y los Estados Unidos empezaban a amenazar a Iraq con posibles invasiones, y aunque el disco no presenta ninguna crítica directa a ninguno de los dos gobiernos, la crítica lo consideró un disco oportuno, y casi como un acto de rebeldía.

#308 - Blur (2003)

Monday, December 20, 2010

Singles 1988-1990

Siendo infinita la cantidad de singles que acostumbró y sigue sacando Morrissey por disco de estudio, me pareció mejor idea juntar por un lado los ocho singles con sus respectivos lados B, que tienen que ver con su primer dsico, Viva Hate. El primer single, 'Suedehead', salió apenas meses después del último single como banda de the Smiths, 'Last Night I Dreamt Somebody Loved Me'. Después de eso, sacó el aclamado Viva Hate, y el clásico 'Everyday Is Like Sunday' como único single del disco.

'The Last of the Famous International Playboys' salió un poco despues de que la discográfica sacara 'Rank', el cd en vivo de the Smiths. 'Piccadilly Palare' es el último signle que sacó Morrissey en 1990 y antes de empezar a componer con Mark Nevin para su segundo disco, Kill Uncle. La canción también es importante ya que tiene al ex Smith Andy Rourke en el bajo. La compilación que intento juntar varios de estos singles pos-Viva Hate fue Bona Drag, aunque se omitieron varios lados-b en la edición.

Your Arsenal

Se dice que cuando Marr dejó a los Smiths, no solamente dejó a una de las mejores bandas salidas de Inglaterra, sino que también puso el futuro de Morrissey en duda. Con su primer disco, Viva Hate, todo el mundo confiaba en que Morrissey era el corazón y la voz de los Smiths. Fue recíen cuando sacó Kill Uncle, un disco recibido sin mucho entusiasmo por los fanáticos y la crítica, que no tardaron en darse cuenta que Marr era la espina dorsal y el alma de la banda que cambió la música de los 80's.

Después del no tan favorito segundo disco, Morrissey se preparaba para una revancha con una nueva banda, cuya formación todavía se mantiene estable: desde que salió Your Arsenal, la música empezó a ser escrita por Alain Whyte o Boz Boorer, dos músicos de la escena rockabilly. Arrancando con "You're Gonna Need Someone On Your Side", el disco representá un cambio de dirección del Morrissey pop, al Morrissey rock que todos extrañaban. Muy influenciado por el rockabilly y el glam rock de Bowie y de T. Rex, el disco es considerado el mayor y más importante esfuerzo de Moz.

Por primera vez en toda su carrera, se concentró en la música mucho más que en las letras. Había un par de canciones controversiales como siempre: "Glamorous Glue" es considerada una canción anti-Americana, y "We'll Let You Know" parece defender al hooliganismo. Otra característica importante parecía ser que aunque el disco representa una colección tremenda de canciones, no hubo ningun hit single, algo que hace funcionar al disco como un todo sin la necesidad de promocionarlo tanto como los primeros (aunque la mitad de las canciones del disco fueron sacadas como singles per se).

#307 - Morrissey (1992)

Friday, December 17, 2010

The Soft Bulletin

The Flaming Lips sacó the Soft Bulletin en 1999, después de sacar Zaireeka en 1997. Zaireeka fue un disco cuadruple, con la idea de que se pongan los cuatro cds en diferentes equipos de música al mismo tiempo para que sonidos que no se escuchaban en uno se escuchen en otro, y así cuatro canciones se vuelven una. La crítica lo destruyó, pero la banda junto fuerzas para sacar su noveno disco a finales de los '90s.

Se considera que the Soft Bulletin marcó un cambio en el curso de la banda, con melodías un poco más pegadizas y un sonido mucho más accesibles, y letras más serias y ricas de contenido. La fusión instrumentos básicos con beats electrónicos y sintetizadores en capaz envuelven al disco en capaz sinfónicas, algo que le hiso ganar reputación como el Pet Sounds de los '90s.

Comercialmente el disco nunca llegó ni a los Billboard 200, pero está en el top 10 de los mejores discos de 1999 de todo el mundo, y en lo mejor de la década de la gran mayoría. El álbum también es responsable de la identidad musical que ganó la banda, considerado el mejor disco por parte de los americanos. pd: la versión que subo es dvdrip de la remasterización 5.1 del disco, asi que no tendría que haber ninguna queja acerca de la calidad.

#306 - The Flaming Lips (1999)

Miami

Ya pasó más de una decada desde que salió Miami, un disco que marcó el fin y principio de etapas para Babasónicos. Un disco que separó al público de la banda en dos grupos: uno conservador que considera que a partir de Miami, la banda se vendió al mainstream, y otro que afirma que con este disco, finalmente encontraron su sonido.

Tomando cualquier postura, no se puede negar el impacto que tuvo tanto para los fanáticos como para la banda. Fue el último disco en el que partició DJ Peggyn, mientras que la banda vuelve a explotar su lado experimental con un rumbo musical más concreto. La mezcla que hicieron entre un sonido crudo y sin pretensiones con algo más pop, lograron que desde la primera canción, Miami se vuelva un disco atrapante. Dentro de la música nacional no había nada que se le pareciere, escapando del tag "rock nacional" que ya habían "ganado" bandas como La Renga o Los Piojos.

Miami es un disco arriesgado de una banda que no tenía nada que perder y mucho por ganar. El rumbo musical concreto que diferencia al quinto álbum de Babasónicos es lo que marcó todos los discos por venir de la banda. Un disco que empezó en sí como una burla a la Argentina menemista de los '90, se volvió en lo que, junto con Jessico, es considerado uno de los mejores discos de la banda.

#305 - Babasónicos (1999)

Wednesday, December 15, 2010

Costello Music

The Fratellis nació en Gran Bretaña en el 2005, tierra donde the Libertines ya había sembrado sus raíces, los Arctic Monkeys ya iban por su Who the Fuck EP, y the Strokes habían impactado desde Estados Unidos. De todas estas influencias nació el disco debut de la banda un año después, Costello Music. En el momento habían sido elogiados por tener un sonido fresco, con la crítica orgullosa de nombrar a otra banda parte del movimiento de bandas indie británicas con guitarras descomplicadas y desordenadas.

Capaz fue así en el momento, pero ahora volviendolos a escuchar no son muy originales, y mucho menos frescos. Es raro pensar que the Wombats usaron casi la misma estrategia y aunque no lograron el mismo éxito comercial, se los recuerda con mucho más cariño que a the Fratellis.

La banda la re pegó en Inglaterra, mientras que en Estados Unidos los definian como una banda muy muy predecible, capaz de divertir por un momento pero aturdir de vez en cuando. Con un disco producido de más, con demasiadas guitarras y tompretas casi con miedo de experimentar con un sonido más minimalista, la banda se separó después de sacar su segundo disco que no tuvo los elogios.

#304 - The Fratellis (2006)

Tuesday, December 14, 2010

Doolittle

Si, los Pixies son dioses del rock alternativo, y Doolittle es una de las tantas razones. Fue un disco que hiso subir la popularidad de la banda notablemente a fines de los '80, cuando recién habían sacado Surfer Rosa, que había sido casi un desastre comercial, pero tremendo disco también.

Las letras son muy muy oscuras, tocando temas desde violencia biblíca, tortura, muerte, y un poco de surrealismo, y es algo que contrasta mucho con el sonido limpio que pulió el productor Gil Norton. Muy pocas veces la distorsión y grunge constante de un disco había tenido tanto sentido. Doolittle carece de la crudez de Surfer Rosa, y qué mejor ejemplo que el pop clásico de 'Here Comes Your Man'.

Doolittle también es considerado uno de los pilares del grunge: tanto que despues de haber escrito 'Smells Like Teen Spirit', Kurt Cobain y Krist Novoselic de Nirvana casi descartan la canción porque literalmente sonaba demasiado Pixie.

#303 - Pixies (1989)

Monday, December 13, 2010

Beach Fossils

Beach Fossils es la banda de Dustin Payseur, fanático de Joy Division y admiradores de la mezcla post punk y shoegaze de lograda por bandas como the Jesus and Mary Chain. Sacó un par de canciones bajo el nombre de la banda con la ayuda de Pitchfork pero fue recien este año que junto su primer disco con Captured Tracks.

El nombre Beach Fossils puede causar malinterpretaciones: el objetivo de la banda no es hacerte sentir arena entre los pies, y hasta si pensas que escuchaste cada disco veranoso y lo-fi, el disco debut de la banda es un disco tremendo. Tiene un par de influencias del jazz improvisado, pero en sí el disco está rodeado en su propia atmósfera de guitarras sobrecargadas y voces casi susurradas.

La percusión no es algo que tampoco les llevó demasiado tiempo grabar parece, creo que ni se escucha ni un solo platillo en todo el disco, puros redoblantes y bombos agudos. Sin embargo, todo suena bien en una telaraña de punteos casi tropicales, con eco de voces y mucho regusto al post punk y garage surf. La contra teórica de the Drums?

#302 - Beach Fossils (2010)

Saturday, December 11, 2010

The Eraser

The Eraser fue el disco que sacó Thom Yorke después de Hail to the Chief con Radiohead. Desde que salió se dijeron las peores cosas sobre el trabajo solista: que si Hail to the Thief sonaba una aberración era por culpa de Thom Yorke, y que este disco servía nada más para demostrarlo. Se esperaba seguramente algo muy distinto, entre el sonido de los primeros de Radiohead, pero que resultó ser algo más que aburrido lleno de samplers y demás.

Sin embargo, la mayoría de la crítica que no se anima ni un poco a bardear nada que tenga que ver con Radiohead, le dieron reseñas positivas. Se lo comparó mucho mucho con el sonido de la banda, y más con Kid A específicamente, aunque the Eraser carece de la dinámica de cualquier otro disco de los cinco ingleses.

Yorke vuelve a reprimir las guitarras que asomaban en Hail to the Thief, reemplazandolas por samplers que había grabado con la banda misma, y un par de piano. No queda duda que el promotor de cambio de sonido de Radiohead fue el mismo Thom, y que es él el que se luce con esa voz característica que tiene en todo el disco. The Eraser tiene un par de bajas, pero no es un mal disco. En sí no lleva más que una sola duda: ¿hasta qué punto se va a poder soportar tanta experimentación?

#301 - Thom Yorke (2006)

Friday, December 10, 2010

Hello! Mtv Unplugged

Tanto para Charly y para la cadena Mtv, se puede decir que ambos vivieron tiempos mejores. Y qué mejor momento que el día en que se juntaron estos dos entes para dar luz al Unplugged, en 1995. Es que si "hubo un tiempo que fue hermoso" en su tiempo como solista, fueron los momentos de lucidez de la década del '90. No tardó mucho tiempo en armar una banda de la puta madre: el Zorrito al bajo, Fernando Samalea a la batería y bandoleón, y María Gabriela Epumer: la mejor guitarrista que Charly pudo haber encontrado y que seguramente va a encontrar. Si alguna vez se te pasó por la cabeza que las mujeres son cuadradas tocando la guitarra (y mucho más la acústica), vale la pena escuchar a Epumer en el Unplugged para que te exploten los oídos.

Como una totalidad, el disco muestra una fase no típica de Charly, un Charly ordenado y preciso, muchos consideran que fue la última vez en que hizo un verdadero esfuerzo para cantar bien, o por lo menos algo que no volvió a hacer en muchos años. Te das cuenta que es un Charly que impacta: cuando se inspira y arremete no lo para nada ni nadie. Fue un recital perfecto, con un par de Garcia-adas, como olvidarse las letras o usar a muñecas de juguete parlantes como decoración.

Por momentos parece como si hasta la selección y el orden de canciones fue elegido exactamente. Arranca con una dosis necesaria de funk con 'Yendo de la Cama al Living' creando un tremendo ambiente tirante y hasta seductor; la poesía pura de 'Rezo por Vos' dedicada a Spinetta; y de vuelta al funk con 'Fanky' con una cascada de cuerdas que destripan toda la ira que acompañaban al video y a la canción cuando apenas salió. 'Pasajera en Trance' entra como un nuevo comienzo, una canción que pos-rebota en la cabeza mucho más tiempo de lo que dura en sí.

"Ok, vamos a hacer ahora algo de Serú Girán, un compactito. Por favor, lloren, ja!" y así arranca con el medley 'Eti Leda/Viernes 3AM'. La verdad acá es que Eti Leda lo único que hace es crear el ambiente para Viernes 3am: Eti Leda es triste, pero Viernes 3am es suicida, una de las canciones más desgarradoras que se escribieron. Hay que resaltar que se puede escuchar a García olvidándose la letra de este verso, demuestra el profundo orgullo que tiene cuando le pasan estas cosas: lo erigen como el rockero despreocupado que salva la situación con genialidad. "... el éxito no me ha cambiado en lo absoluto".

La primera mitad todavía no termina, con el rocknroll de Cerca de la Revolución, protesta e idealización en acordes; 'Promesas Sobre el Bidet' rompe con los coros de Epumer mientras que el "calambres en el alma" de Charly termina con aplausos. "No Soy un Extraño" es otra canción que te deja con la boca por el piso, fotografía de Buenos Aires en pleno Buenos Aires, cuando el tango se bailaba entre hombres, y de cuando el puerto contaminaba de mal olor la ciudad. "Los Dinosaurios" es exactamente lo que promete ser, la canción que se venia esperando casi desde el principio, sabiendo que con el piano, los coros de Epumer, y los violines, no había manera de que falle. "Chipi-Chipi" y "La Sal No Sala" salen como dos hits de la nueva era juntos, muy despreocupados, esperando el respaldo de pogo que nunca podría haber en un Unplugged.

"Nos Siguen Pegando Abajo" es una canción que por lo menos en este Unplugged, le pertenece casi en su totalidad a Epumer, llevando su voz por todo estilo de colores, de blanco a rosa, y un poco de naranja. "Ojos de Videotape" sirve como darnos cuenta de algo que capaz veníamos sintiendo desde el principio cuando se pone mucha atención a las letras: escuchar esta canción y su tremenda crítica a la concentración de medios de comunicación sirve para imaginarse la época en que fueron escritas esas palabras y reevaluar los conceptos en un presente, o por lo menos en el pasado del recital. 'Demoliendo Hoteles", o demoliendo teles (como pasó en la canción anterior) es la que nos conocemos todos, y casi termina el disco antes de 'Fifteen Forever', dedicada a Cassandra Lange, el alter ego de la banda.

Es un disco que aunque te rehúses a escuchar a García lo tenes que tener por efecto. Por suerte existen locos como estos hoy en día. Say no more.

#300 - Charly García (1996)

The Defrosting Of...

Los Demon's Claws salieron de Montreal, después de estar en un par de banditas post punk. Dejaron las drum machines y se metieron a hacer garage rock crudo, y capaz es eso lo que los hace tan especiales: suenan como una banda que se cansó de hacer post punk para hacer garage pero todavia tienen esa consititución que no pueden cambiar. Todo esto sumado a un par de trucos que hacen que la crítica elogie sus influencias country, aunque parece ser todo verso.

'The Defrosting Of...' es Demon's Claws pero algo más: las influencias punk y pop sesentoso tienen mucho que ver al momento en que bandas como the Rolling Stones, 13th Floor Elevators y mucho the Kinks suenan de fondo. El lo-fi suena mucho más sucio, las guitarras más distorsionadas, y las voces más desprolijas que el primer disco.

Muchas veces puede parece que tener una banda chillona es lo único que hace falta para tener una banda garage rock pero la verdad es que Demon's Claws saben muy bien qué están haciendo: agarran la propuesta cero de bandas como the Soft Pack, the Strange Boys, o hasta Black Lips, y te llenan el disco de influencias tratando de destacar.

#299 - Demon's Claws (2010)

You're a Woman, I'm a Machine

Death from Above 1979 fue un dúo americano integrado por Jesse F. Keeler al bajo y sintetizadores, y Sebastien Grainger a la voz y batería, e hicieron noise rock de puta madre. Se conocieron en un recital de Sonic Youth y empezaron a grabar bajo el nombre 'Death from Above' a secas, aunque despues de muchos quilombos con DFA Records y James Murphy de LCD Soundsystem, agregaron el 1979, el año de nacimiento de Grainger.

Sacaron "You're a Woman, I'm a Machine" en el 2004, un disco que la crítica definió como una mezcla entre the Rolling Stones y Black Sabbath con actitud punk, mientras que otros ingenuos se quedaron con el tag indie dance rock punk. A todo esto le agregaron el desafío y originalidad de hacer rock potente pila pila con un bajo distorsionado a más no poder y un flaco gritando mientras parte la batería.

Es un rock bien bien sucio con muchos más riffs de lo que parece, pero que con toda la actitud punk que le quieran meter sigue siendo un disco muy accesible. Después de su disco debut, dejaron un par de discos y EP's de remixes hasta que se separaron dos años después.

#298 - Death from Above 1979 (2004)

Tuesday, December 7, 2010

Clics Modernos

Si Clics Modernos se pudiese definir en otras dos palabras, uno perfectamente podría elegir "Ironía" y "Dance". El disco fue uno de los discos más revolucionarios jamás grabados por un músico latinoamericano, y no solo por sus sonidos innovadores, sino por el concepto en sí: soportaba un concepto tan fuerte pero que no todos iban a ser capaces de entender en seguida.

Es un Charly creativo con todas las ganas de laburar pero al mismo tiempo con millones de cosas que se tenía que sacar de encima, desde fuertes críticas politicas y sociales hasta momentos de introspección, melancolía y auto crítica. Lo más imporante y que pocos se animan a analizar es cómo García usa el sonido bailable para dar a entender en sí la ironía que representa levantarse, bailar, y esa alegría maquillada que bajo las ropas y los peinados de epoca escondía una tragedia escondida, inexplicable y sin resolver. Los '80 fueron otra cosa, y aunque la inertidumbre y depresión de los '60 y '70 ya se había terminado, había dejado tremenda huella en cada argentino.

El disco fue presentado por varios días en el Luna Park, acompañado por Pablo Guyot, Alfredo Toth, Willy Iturri, Daniel Melingo, Fabiana Cantilo, y un joven rosarino de 19 años: Fito Páez. Fue el mismo Fito que pasó a recordar Clics Modernos en una entrevista: "fue la puerta de entrada de la tecnología al mundo del pop. Cone se disco Charly ingresó al futuro".

#297 - Charly García (1983)

Attack & Release

Robert Plant, Billy Gibbons de ZZ Top, y Thom Yorke y Jonny Greenwald son todos fanáticos de the Black Keys. Desde Kirk Hammet de Metallica hasta Matt Helders, hablan de como disfrutan escuchar sus discos en el estudio o hasta se los ve usando remeras de la banda en público. Muchos comparaban a la banda con the White Stripes, por todas las obvias razones, que ahora parece como la peor idea.

El nuevo y mucho más directo sonido de la banda se debe en parte a la participación de Danger Mouse como productor del disco. Se trata de una producción más que refinada, sin perder la aspereza guitarrera rock-blusera que trata de alejarse de cualquier crítica mostrando su lado más minimalista. Y no es puro stoner rock: el disco tiene tiempo para recordar viejos amores y aprovechar la textura que puede brindar un par de cuerdas acústicas.

Attack and Release demostró que la banda es una de las más originales que existen, y que el formato dúo guitarra bateria es una siemple forma más que una moda o estrategia de marketing. Su último disco, Brothers significó un desprendimiento total de estas malas comparaciones, pero obviamente, sin Attack and Release, no hubiera existido un Brothers.

#296 - The Black Keys (2008)

Sunday, December 5, 2010

Baby Darling Doll Face Honey

Mientras el mundo se rendía a los pies de the Black Keys, en la ausensia de the White Stripes, eran unos pocos los curiosos que veneraban el primer disco de Band of Skulls. Llevando el concepto de rock minimalista con aires a garage blues a un nivel mucho más alto pero no tan superior. Con el guitarrista Russell Marsden y la bajista Emma Richardson intercambiando las voces, logran lo mejor cuando las dos voces se superponen, aunque el disco sigue siendo algo difícil de qué aburrirse.

El disco los llevó a telonear a bandas tan vendidas como Muse, aunque también tocaron con Black Rebel Motorcycle Club, y a su pionero Jack White con the Dead Weather. Son las canciones violentas las que ganan la atención y se hacen desear una vez que empiezan los lentos o acústicos casi en la mitad del disco. Capaz es mi propio gusto, pero las canciones que en serio ganan son las que se acercan a sonar como una canción de los White Stripes o por lo menos the Black Keys.

Hay momentos en que por lo menos a mi me dejan con muchas más ganas de riffs y guitarras como en los primeros canciones, y es justamente por la misma razón que la crítica tiene sus opiniones divididas acerca de este disco. Por momentos puede sonar un poco más comercial, sonando a una versión más adulta de Blood Red Shoes y un poco de lo último the Subways, aunque el próximo disco promete ya ser todo lo contrario.

#295 - Band of Skulls (2009)

Thursday, December 2, 2010

Disintegration

Disintegration, el octavo disco de the Cure, marca la vuelta de la banda al triste introspectivo rock gótico que la banda había establecido al principio de los '80. Con Robert Smith llegando a los 30, sentía una presión tremenda por seguir con el éxito pop de la banda, aunque al mismo tiempo no estaban satisfechos con la popularidad ni la atención que estaban teniendo. Smith volvió a los días de darse con alucinógenos, algo que tuvo mucha influencia en este disco.

La banda sentía que la gente estaba malentendiendo a la banda, en su sonido y en sus objetivos como tal, por eso decidió volver a los sonidos de los primeros discos, ya arrancando con una introducción casi instrumental, algo casi tradicional en los primeros tres discos más o menos. Sin embargo, lo que distingue a Disintegration de lo que habia venido haciendo la banda desde el principio, es el constante uso de efectos de guitarra. Esa distorsión casi ambiental con mucho eco que se volvió sonido característico de la banda con el tiempo.

La discográfica tenia miedo que sea una especie de suicidio comercial, pero Disintegration es recordado como uno de los momentos pico de la banda, con los singles Lovesong y Lullaby en las charts británicas y americanas. Es el disco más vendido de la banda hasta hoy, siendo un estilo de "culminación" de todas las direcciones musicales que la banda estuvo apuntando en los '80.

#294 - The Cure (1989)

Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys

Danger Days es el último disco de My Chemical Romance, de New Jersey. Antes y después de anunciar que el baterista Bob Bryar había dejado la banda, venian avisando que su nuevo disco iba a ser como una hora de puro crudo punk-dont-give-a-fuck rock, mezclado con un poco del post hardcore de los primeros discos y los rasgos en general de la banda. Después de un rato, salió el primer single, "Na Na Na (Na Na Na Na Na Na Na Na Na)", que sirvió un poco para dar forma a esas noticias. Un poco de "punk" (si, entre comillas) aunque se entendía que en el fondo, eran la misma banda de siempre.

Hace dos semanas que salió el disco, y la verdad que por lo menos a mi me desepcionó bastante. Porque estaba esperando con ansias la orda cruda y trashy de canciones y me termine quedando con todas las ganas. Tienen un par que capaz hacen valer la pena haber esperado tanto tiempo el disco, como Party Poison, Vampire Money, y un par más menos simpaticonas; pero si hay algo que no el falta al disco son los anthem pedorros poppy que lo unico que hacen es darles la razon a los críticos que en algun tiempo les pusieron el tag de emos.

Capaz la distribución de canciones pedorras es de un 60% o menos, pero lo peor es que los temas que van a terminar siendo singles o lo que sea, van a estar dentro de ese 60%, como 'The Only Hope for Me Is You' (no se cómo la gente no vomita cuando escucha ese electrónico 'remember me'), 'The Kids from Yesterday', o 'SING' ( dios! cómo odio esa canción!). Hay otras que tienen el espiritu punk pero son muy vendidas (lease "Planetary (GO!)"), o simplemente se esfuerzan demasiado en ser lo que no son y prometieron ser.

#293 - My Chemical Romance (2010)

Keep On Your Mean Side

Keep On Your Mean Side es el primer disco del dúo Alison Mosshart y el guitarrista Jamie Hince. Una vez que dejaron sus respectivas bandas, Discount y Scarfo, los dos se conocieron cuando Mosshart lo escuchó tocando la guitarra en la habitación arriba de ella en el hotel que se estaba quedando. Decidieron empezando desde cero, cambiando sus nombres por "VV" para Alison y "Hotel" para Hince, componiendo canciones minimalistas con la ayuda de baterias electrónicas.

La banda se alejó de cada oferta de cada discográfica grande que se les acercaba, manteniendo una actitud punk que se refleja a la vez en su música. Basicamente el sonido de the Kills es la tremenda voz de Mosshart agarrando lo mejor de Joplin y llevandola a un nivel mucho más oscuro que nada, acompañada por la guitarra distorsionada de Hince con un poco de percusión garage, pero muy de vez en cuando.

Grabaron Keep On Your Mean Side, su segundo trabajo teniendo en cuenta un EP barato que habian sacado con Domino Records, basicamente en un 8-track, en apenas dos semanas. Varias bandas se vieron inspiradas por la formación chica/chico que raras veces se veía: the xx los describe como su principal influencia en ese sentido.

#160 - The Kills (2003)

Everything in Between

Everything in Between, el último disco de No Age, es algo que todavía no termino de entender. Es como (y voy a usar esta comparación muchas veces) cuando escuchas Sonic Youth, tienen un par de canciones que capaz no soporto tanto pero igual te las bancas, casi como que las respetas porque, hombre, es Sonic Youth! Y ni podes comparar comparar en serio en serio una banda como Sonic Youth con No Age, que casi ni tienen carrera en comparación.

Pero apenas pongo Everything in Between, y capaz suenan momentos que no son los más lucidos del disco, viene ese tipo de respeto y hasta intriga por entender en serio lo que estas escuchando, aunque no tengan una discrafía tan merecedora de eso como Sonic Youth. La banda californiana tiene apenas dos discos más, que varían un poco más entre el noise pop, más que lo noise rock, y un poco más comercial pero tambien experimental que es este tercero.

El dúo logra revivir con frescura despues de haberse perdido por un momento entre sintetizadores y remixes. Suenan mucho más concisos y claros, algo que parece contradictorio y hasta hipócrita teniendo en cuenta que es uno de sus discos más punks a la vez. Si no tenes la misma paciencia para el noise, va a ser un disco difícil, pero indiscutiblemente bueno.

#292 - No Age (2010)

Wednesday, December 1, 2010

Serotonin

Los Mystery Jets sacaron su nuevo disco este año, Serotonin, y que a diferencia de su discografía pasada, no está cargado con desepciones. Harry Harrison, el viejo de Blaine, que era el principal compositor de la banda con casi 50 años, dejó la banda por temas de salud, dejando al cuarteto tratando de explotar todo el potencial comercial de su cuasi pop de mercado carácter británico en un tercer disco.

Los discos de los Jets son conocidos por la crítica por siempre significar un cambio, como una deformación de todo su trabajo anterior. Y aunque el resultado es de vez en cuando aceptable, queda siempre la duda acerca de cuál es el sonido de la banda. Con su tercer disco parace que lo encontraron.

Serotonin arranca bastante bien con Alice Springs, hasta que llega "It's Too Late to Talk", que solo puede entenderse como una mala broma o no se, capaz es nada más que una canción mala. Después del single 'Flash a Hungry Smile', empieza una carrea de pop poderoso combinando sin descanso un par de riffs de teclado, y todo con la ayuda del productor Chris Thomas. Las letras no varían mucho, y en general no significan nada con total de quedar bien. Igualmente, la banda se mantiene ajena al hype o a los posers, entregando por fin el disco que se esperaba de ellos: un disco sencillo, impoerfecto, pero divertido y de calidad.

#162 - Mystery Jets (2010)

Power, Corruption & Lies

Power, Corruption & Lies es el segundo disco de New Order, de 1983. Un par de meses antes, la banda había sacado el single Blue Monday, una de las canciones más conocidas de la banda, y aunque era un tema tremendo, se lo criticó por ser mucho más frío que el primero disco, con una orientación mucho más electrónica y muchisimos synths. El disco no resultó ser del todo electrónico, y llega a ser considerado el mejor disco de la banda.

Fue gracias a Blue Monday que se dice que se alejaron de la sombra de Joy Division para que la influencias de música dance y electrónica se hiciera evidente. El público que no se habia sorprendido con la cantidad de instrumentos electrónicos en el primer disco, Movement, en comparación con la música de Joy Division, con un incremento en el uso de tecnologia y trucos de estudio (tremenda influencia para todas las bandas que aportan algo de dance en su música).

Al principio hubo mucho quilombo cuando salió, tanto que empezaron a pegar stickers en las tapas de Power, Corruption & Lies diciendo "DOES NOT CONTAIN BLUE MONDAY", por la cantidad de quejas que estaban recibiendo las discográficas. Igualmente, en el 2008 salió la Collector's Edition con un bonus disc, con los singles Blue Monday, Confusion, Thieves Like Us, Murder, y todos sus b-sides, que es lo que estoy subiendo acá.

#191 - New Order (1983)

Tuesday, November 30, 2010

Humbug

Humbug es el tercer disco de los Arctic Monkeys, despues de haber sacado un exitoso segundo disco, Favourite Worst Nightmare (2007). Según los miembros, el disco tiene muchas más influencias de bandas como Cream, y Jake Thackray, John Cale, Roxy Erickson, y hasta Jimi Hendrix. Fue co-producido por Josh Homme de Queens of the Stone Age y por James Ford, quien produjo el the Age of the Understatement para the Last Shadow Puppets.

Ya apenas salió el primer single Crying Lightning, la crítica y los fans anticiparon que los monos estaban lejos del sonido de "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not". Manteniendo tremendas composiciónes en todo lo que son los riffs y bajos, la banda se mostraba mucho más madura que nunca, y así con un sonido mucho más oscuro. Puede que en sí no sea mejor que sus discos pero expandió mucho el sonido y el rango de la banda.

Y aunque no me animo mucho a criticarlos de ninguna manera, lo cierto es que Humbug suena muy muy refinado, y capaz un poco demasiado, y paradójicamente capaz esa es la razón por la que el disco no significó un suceso masivo como el que logró el primero, pero a quién le importa! Ese será el precio a pagar por ser tomados un poco más en serio, y dentro de algunos años, Turner y compañía se burlen de los que dudaron de ellos.

Neon Bible

Lo peor de que Neon Bible no sea tan bueno como Funeral es que es algo que infla mucho más la desproporción del hype de Arcade Fire. El "era imposible superar semejante discazo" empieza a ser la conclusión más repetida entre los aficionados. Es por eso que Neon Bible será recordado como un argumento definitivo a favor de Funeral, y una victoria más para pitchfork. Los épicos de Arcade Fire tuvieron que bancar la presión de sacar un disco a la altura del anterior, con ser la bandita indie de cada uno pero tener un público masivo, y con no contar con crisis personales que ayuden a escribir (Funeral fue fruto de varias muertes familiares).

Aunque Neon Bible suena mucho menos inmediato y contagioso que Funeral, no se pierden las buenas canciones. Desaparecen un poco los himnos colectivos, pero triunfa en su atmósfera: en su capacidad para ser un disco de punta a punta, casi conceptual, y no nada más que una colección de canciones. Entras por la puerta de 'Black Mirror' y te tiras al balanceo y la cadencia que la banda quiere.

La espera valió la pena, Neon Bible es un disco muy bueno de una banda excelente. Si el primer disco no te gustó o no te llamó la atención, Neon Bible es poco probable que lo haga. Para todos los demás, para todos los que quedaron encerrados en el ambiente excesivo y la oscuridad llena de optimismo de sus letras, atrapados por una banda que seguramente signifique para la decada del 2000 lo mismo que Radiohead para los '90 y U2 para los '80; para todos esos, Neon Bible es un disco (casi) perfecto.

Monday, November 29, 2010

At War With the Mystics

At War with the Mystics es el decimo primer disco de the Flaming Lips. Despues del super éxito y obra conceptual que fue Yoshimi Battles the Pink Robots, los americanos experimentales se encerraron para sacar un disco con muchas más guitarras, y hasta un par de criticas politicas en las letras, algo que casi ni habia aparecido en la carrera de la banda.

Parece ser un disco mucho más abierto y claro, ya empezando con 'The Yeah Yeah Yeah Song'. Carece de la imponente presencia y declaraciones de the Soft Bulletin, pero es un disco que por momentos pretende ser una versión mas ligera de la banda, hasta más rockera se puede decir. Sin embargo, tuvo un éxito comercial muy parecido a su anterior, con varios premios y nominaciones hasta en los Grammy's.

Tiene un par de momentos, como en 'Free Radicals' o 'It Overtakes Me', donde parece como si la banda repite su excentricidad antes que reforzarla o replantearla. Por otros momentos parece como si las mejores canciones son las que nos hacen acordar a Yoshimi Battles the Pink Robots. Por eso, aunque las diferencias entre este disco y sus anteriores son evidentes, personalmente el disco en sí carece de un sonido caracteristico, de canciones que lo distingan como uno entre los demás y lo por venir.

Champ

El problema para las bandas de un primer disco "hype", que aunque las taggen como "indie" no están muy lejos de sonar como bandas como All Time Low aunque si lejos de sonar tan insoportable, aparece cuando el público se aleja en busca de carne fresca. Tokyo Police Club sacó sus primeras canciones en un Ep en el 2006 que al toque apareció en todos los blogs en una era casi pos-Strokes.

Ni el ep ni su primer disco, Elephant Shell, tuvieron la aceptación comercial ni viral que se esperaba, mientras que la banda empezaba a desvanecerse. Pasaron dos años desde que el cuarteto canadiense quedó silenciado, y aunque la música cambio mucho en esos años, la banda no. Obvio que Champ tiene un par de Whooo -oooh's pegadizos por un rato, pero con el tiempo se vuelve música sin sentido ni objetivos.

La banda tiene talento seguro, y definitivamente Champ es un disco mejor a lo que venian escribiendo, pero capaz en vez de esforarse sinceramente tanto en escribir las mismas canciones, tienen que replantear su propia imagen. Terminan siendo una buena divertida para determinado público pero una banda 'bleh' para otros, con un sonido que ni va ni viene.

Sunday, November 28, 2010

Sea Change

Después de un periodo de inactividad de tres años, Beck presentó su octavo disco en el 2002, Sea Change; un disco mucho más introspectivo que cualquier cosa que haya escrito, producido por Nigel Godrich (Radiohead). Sea Change se caracteriza por su sonido acústico y el uso de violines y violonchelos: se dice que lo que le dió a Beck la inspiración para escribir este disco fue una ruptura sentimental. Marcado un antes y después en su composición, el disco es muy muy sincero, cambiando toda la idea que la gente había formado de él.

El disco es fue comparado en general con discos como Blood on the Tracks de Bob Dylan, o Histoire de Melody Nelson de Serge Gainsbourg, otro disco lloroso y sentimental, dando mucho de qué hablar sobre el artista. También se dice que es uno de los discos más simples de Beck, dejando de lado letras como burlas y críticas sociales y reemplazandolas por pensamientos mucho más personales.

Forget

Twin Shadow es la banda de George Lewis Jr., el nuevo protegido de Chris Taylor de Grizzly Bear, quien produció su primer trabajo, además de publicarlo en su propia discográfica. En Forget, Lewis pretende revisitar los clichés del new wave de su New York natal desde un punto de vista muy personal. Un par de canciones resultan muy interesantes, como un híbrido entre Echo and the Bunnymen y David Bowie. Otras como 'Slow', me hacen acordar a Still Ill de the Smiths, pero si Marr hubiera llamado a Prince para producirla.

Forget está dando mucho de qué hablar, despues de haber sido taggeado como Best New Music, por Pitchfork, aunque hay que ver si Twin Shadow se lo merece, o es puramente por las tendencias pro-Grizzly Bear de Pitchfork, o porque Lewis es oriundo de Brooklyn. Puede ser pegadizo, pero son su complejidad y su narración reflexiba lo que lo hace un disco para escuchar y escuchar. La crítica ya lo está llamando la fusión new wave y pop del año :o

get it . if you like . listen . buy it

Saturday, November 27, 2010

Tug of War

Tug of War es el primer disco solista de Paul McCartney despues de la disolución oficial de Wings, en 1981. Es muy importante el período de grabación de este disco ya que significó la reunión de antiguos compañeros de su carrera y la muerte de John Lennon el 9 de diciembre de 1980. Varias de las canciones del disco ya se habian ensayado con Wings después de que Paul sacó McCartney II. Las sesiones de grabación empezaron en la segunda mitad de 1980, y siguieronhasta el día que Paul se despertó para enterarse que su compañero de the Beatles, John Lennon, había sido disparado la noche anterior.

Aplazaron el proyecto hasta febrero de 1981, donde se retomaron las sesiones de grabación junto a Stevie Wonder, Stanley Clarke, Carl Perkins y Ringo Starr. Los ensayos fueron tan productivos que varias de las canciones grabadas aparecieron más tarde en el disco Pipes of Piece en 1983. El dueto de Paul McCartney y Stevie Wonder, Ebone and Ivory, fue editado como single y alcanzó los primeros puestos a nivel mundial, callando a los medios que consideraban en un mal periodo a la música de McCartney.

Seis meses después del asesinato de Lennon, Paul colaboró con George Harrison y Ringo Starr en 'All Those Years Ago', un tributo de George. Un poco después, Paul haría lo mismo con 'Here Today' en el disco.

Metanoia

Después de el super mega éxito que fue Oracular Spectacular, MGMT estaba taggedo como la super banda revelación en todo el mundo. Sin embargo, estaban en un punto medio entre singles comerciales y, como a Pitchfork le gustaba decir, los Pink Floyd teens. Fue con Congratulations que se fueron más para el lado de la experimentación menos comercial. Metanoia fue un single limitado de casi 14 minutos (es casi considerado un EP por lo larga que es la canción) que queda como la transición entre ambos discos y cuando todavía no se sabía que esperar del segundo.

Scott Pilgrim vs. the World: Original Motion Picture Soundtrack

El soundtrack de Scott Pilgrim vs. the World fue producido por Nigel Godrich (Radiohead) escrito en su mayoría por Beck, que le dio letra y música a Sex Bob-omb, mientras que Broken Social Scene se encargó de las canciones para Crash and the Boys. Beck logra separar las influencias country de su sonido country garage, y se ocupa de escribir canciones cortas garage bien distorsionadas y rápidas. Esperemos que su próximo disco suene asi POR FAVOR (lo mismo con Broken Social Scene).

Aparte de un par de canciones no escritas especificamente para la pelicula, Black Lips, Rolling Stones, T. Rex, Blood Red Shoes, Frank Black y demás; Metric colaboró haciendo un tema poco Metric que habia quedado descartado de alguno de sus discos (seguramente por ser tan poppy). El soundtrack es tremendo porque es por momentos lo que te incita a seguir viendo la pelicula, deseando que Sex Bob-omb y Crash and the Boys sean bandas de verdad la puta madre.

Venus and Mars

Venus and Mars es el sexto disco solista de Paul McCartney y el cuarto bajo el nombre de Wings. Fue un disco grabado con la idea de continuar la linea de exito de Band on the Run, y que en alguna manera fue lo bastante bueno como para permitirle empezar una gira mundial de un año. Para grabarlo, Paul sumó a Jimmy McCulloch como guitarrista (un flaco que habia grabado con the Who un par de veces) y a Geoff Britton como baterista (aunque no duró hasta el final del disco) para la nueva formación.

Paul volvió a usar el truco de unir un par de canciones, algo que había empezado con the Beatles en Sgt. Pepper's e iba a seguir hasta Abbey Road. El disco no super el éxito de Band on the Run, aunque Paul de vez en cuando hace gritar a medio mundo cuando toca Venus and Mars con Rock Show y Letting Go en vivo.

Good Bad Not Evil

Good Bad Not Evil es el cuarto disco de los Black Lips, segundo con Vice Records. Fue un éxito cuando salio y Pitchfork lo taggeo como Best New Music, y la crítica posisionaba su sonido en algun lugar intermedio entre the Strokes y Sonic Youth, un popurrí de britpop y noise. Como si fuera poco, se hablaba cosas de no creer acerca de sus shows en vivo, incluyendo guitarras en fuego, besos entre miembros de la banda, y hasta gallinas.

Tienen el gancho garage de vez en cuando pero en si tampoco es para tanto! Si a Pitchfork le gustó tanto el "sonido fresco" de Black Lips no se cómo no se cayeron al piso con bandas como Harlem. Después de un rato pega y bastante, aunque no traiga nada nuevo a la mesa ni nada.

Grinderman

Grinderman es el proyecto paralelo de varios miembros de Nick Cave and the Bad Seeds: Nick Cave, Warren Ellis, Martyn Casey, y Jim Sclavunos. La diferencia con los Bad Seeds y con Grinderman es que con esta la idea fue crear un sonido mucho más crudo y parecido al de los principios de la banda de cada uno de los miembros. Este objetivo también se vio reflejado en la grabación: el primer disco fue grabado en nada más que cuatro dias, mientras que generalmente los discos de los Bad Seeds tardan meses y meses en producción y preparación.

Además, fue una oportunidad para la banda para experimentar mucho más que en cualquier disco, una manera para Nick Cave de saldar cuentas con su espíritu combativo. El disco logra crear un ambiente de blues triturado, rock pasado, con Cave cantando como nunca, rodeado por una banda convencida en que su música debe aspirar a sacudir conciencias y romper cualquier estructura melódica tradicional.

Tuesday, November 23, 2010

Modern Guilt

En su último disco, Beck se entrega a la música psicodélica de los '60, dentro de su propio sonido de country distorsionado alternativo rockero. Todo por encima de canciones acerca de la degradación ambiental, vivir en tiempos de guerra y uno que otro síntoma de crisis espiritual de Beck y su adultez. Es en la última canción que le da título al disco, en la que esta crisis se pone en evidencia.

Beck cree que el mundo se está yendo al carajo y se siente igual de responsable que todos. En este disco le habla a un ser superior de un modo más directo que nunca antes, preguntandose de qué está hecha el alma, atravesando una especia de rehabilitación kármica: todo para no aceptar que todos terminamos en el mismo lugar.

Más que nada, las canciones que triunfan son las que están por tirarse al borde del garage distorsionado con una voz tratando de llegar a las notas más altas. Las guitarras en acid trip y las percusiones vibrantes no faltan, junto con un par de ritmos de fiesta mod y demás trucos de producción.