Sunday, February 28, 2010

Smile for Them

La verdad es que fue raro escuchar a un nuevo disco de Armor for Sleep sin que el cantante Ben Jorgensen no te esté cantando al oído sobre dormir, soñar o morir. El tercer álbum pretende ser un poco más optimista, dejando de lado la introversión y dirigiendose a un tema más universal: la crítica social. Planteandose un tema en específico que es el culto a la imagen que existe hoy, Smile for Them critica a la generación de hoy que tiene como principal fin la fama y el reconocimiento.

La banda deja de lado los álbumes conceptuales pero sigue con la musica melodica, dinamica y emocional, que mezcla lo pesado del hardcore con una estructura más pop en la mayoría de las canciones. Sin embargo no traen nada nuevo a la mesa pero hay algo que personalmente me hiso siempre tenerlo como un buen álbum pasando días escuchandolo de principio a fin.

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Felt

Felt es el álbum debut del proyecto acústico de Stephen Christian, cantante de Anberlin, con la colaboración de Aaron Marsh de Copeland. Asi que cuando juntaron varias canciones que no quedaban con lo que Anberlin estaba haciendo, en vez de cambiarlas y comprometer sus composiciones, Christian decidió lanzarlas bajo el nombre de Anchor & Braille.

La ayuda de Marsh es discutible ya que Felt terminó sonando como un nuevo álbum de Copeland con las voces de Christian. Por eso es que los fans de estos dos cantantes pueden escuchar Felt con las mejores ilusiones, ya que es un buen disco. Se lo puede escuchar a Christian sangrando en cada letra de las canciones. Es dificil saber si los dos van a volver a juntarse para grabar algo más, pero si no por lo menos se pueden quedar con un buen conjunto de canciones.

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Who Are You Now?

Who Are You Now? es el tercer álbum de la banda de Seattle, This Providence. Personalmente, creo que esta banda es la única que aporta elementos del indie rock, a la escena de bandas pop punk/rock con quienes se ve asociada. El álbum fue una sorpresa para varias críticas, mientras que otras lo describieron como otro más de lo mismo. Who Are You Now? direccionó la manera de tocar de la banda y cambió la perspectiva desde el disco pop punk anterior.

Tiene un poco de straightforward rock (en canciones como Letdown), pero salta tambien al esfuerzo en Waste Myself, mientras que la nueva versión de My Beautiful Rescue suena un poco más cuadrada que antes. Es un álbum que me vi repitiendo más de 30 veces en mi cabeza y desde que salió que todavia no lo puedo soltar completamente.

Who Are You Now? muestra lo mejor del pop rock de escena que quedó hoy. No trae nada nuevo a la mesa pero tiene la suficiente cantidad de buenas canciones (por momentos predecibles) para reconsiderar el camino de la banda. Dan Young es un excelente cantante y estoy seguro que en sus próximos trabajos va a poder expandir su potencial.

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Saturday, February 27, 2010

Let the Blind Lead Those Who Can See but Cannot Feel

Atlas Sound es el proyecto de Bradford Cox de Deerhunter, donde explora un sonido más tranquilo y menos anárquico. Exploró las posibilidades de hacerse cargo de todos los instrumentos y sonidos, sin tener que depender de nadie y teniendo control absoluto. Es un álbum más tranquilo y experimental, muy muy experimental; un debut lleno de texturas más limpias y menos distorsión.

Es claro que alejado del caos que nos tiene acostumbrado Deerhunter, Cox puede demostrar su talento. Me parece que no hay momentos en el disco en que Atlas Sound se acerce a un género sólido como el indie pop o lo que sea, ni en los momentos menos experimentales. Por momentos me llega a sonar como el lado más experimental pero menos volado de The Flaming Lips, sin los bajos ni las baterías locas.

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The Age of the Understatement

The Age of the Understatement es el album debut de Alex Turner (Arctic Monkeys), Miles Kane (The Rasclas) y James Ford (Simian Mobile Disco) como The Last Shadow Puppets. Es muy distinto a todo lo que hiso Turner en su carrera: este album es un viaje a la nostalgia acompañado por las primeras canciones de David Bowie, Lee Hazlewood y otros músicos de los '60 y '70.

Guitarras acústicas y metálicas chocan con la London Metropolitan Orchestra. Es la orquestra la que eleva el drama y los ritmos del medio oeste. Igualmente, la voz de Turner hace fresca esta nostalgia de los '60. Las letras son completamente contrarias a lo que cantan los Arctic Monkeys, sin haber antes escuchado el útlimo album Humbug. Sin embargo, es muy dificil creer que The Age of the Understatement es el trabajo del mismo veinteañero responsable de Fake Tales of San Francisco.

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Romance is Boring

Romance is Boring muestra un sonido solido, sobre todo en las letras, con respecto a los trabajos anteriores de Los Campesinos!. Con esa energía que los caracteriza, proclaman en quince canciones una visión del amor mucho más real que la que suele venderse por todos lados.

Una de las características más importantes de esta banda es el buen gusto por los riffs: las secuencias de notas que usan son inmediatamente amigables para el oído y más todavía cuando están acompañadas con la experimentación de algún que otro synth, que le da nuevos aires a su música.

Siguen frescos con ese aire adolescente que los caracteriza, perocada vez se nota más que van en camino a la maduración. Puede ser que por momentos tanta energía te rompa la cabeza, por eso eldisco puede ser más para seguidores de un indie más hardcore que del chamber pop.

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Minor Love

Minor Love es el último trabajo del ex Moldy Peaches Adam Green, siguiendo al diverso Sixes and Sevens de 2008. Vuelve con un álbum de catorce canciones de 2 minutos cada una en el que por momentosparece rozar el éxito de su obra maestra Friends of Mine (2003).

Hay un par de momentos acústicos que le quedaron bastante bien como ‘Boss Inside’ o ‘Don’t Call Me Uncle’, en un punto medio entre la claridad de los arpegios del folk y el country más oscuro; perodentro de todo Minor Love se convierte en el disco más entretenido de su carrera.

La ironía y el surrealismo se mezclan entre sí formando acústicos, fusiones folk-country y efectos lo-fi. No sé por qué, esperaba que sea un álbum más electrónico aunque no quería que pase, asi que no me decepcionó para nada. Es bueno ver cómo un artista se levanta después de sacar un disco inferior en su carrera, superando cadaexpectativa.

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One Life Stand

Los de Hot Chip volvieron con One Life Stand, un álbum con el que por momentos parece regresar al nivel de The Warning (2006) pero con una estrategia completamente distinta. Si bien en un par de canciones te hacen pensar que volvieron a la misma fórmula dance, el disco completo tiene un poco más de sensibilidad y tranquilidad.

Aparecen las canciones más tranquilas y sentimentales todavía con la parte electrónica presente. Es un disco que no llega a ser tan entusiasta como los trabajos anteriores pero sí muy redondo. Si bien no tiene canciones como Ready for the Floor, tiene varios singles destacables de entrada.

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The Pains of Being Pure at Heart

Primer disco de la banda de Nueva York, que ofrece una colección disfrutable de canciones pop que combinan en contraste sonidos con fuzz guitar y el ensueño que destilan las voces y las melodías. Sonidos noise pop con influencias del shoegazer de My Bloody Valentine, del noise pop de Jesus & Mary Chain, y del pop psicodélico de los '60. Cualquier persona que escuche este disco y tenga una mínima debilidad por el twee noise pop, va a tener a estos discos entre los favoritos.

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Unknown Pleasures

Unknown Pleasures es el debut de la banada de Manchester Joy Division, sin contar el EP An Ideal for Living, que habían sacado el año anterior y con el que habían producido también el interés de varios sellos para este que iba a ser su primer Lp. Este disco pudo agarrar la guitarra con influencias del hardrock de Bernard Sumner y la transformó en un sonido más frío, con una sección rítmica protagonizada por los punteos de bajo de Peter Hook, y la batería mezcla acústica y electrónica de Stephen Morris con la voz grave y automática de Ian Curtis que recuerda a Jim Morrison en la última etapa de The Doors.

Hannet sumó efectos y ruidos digitales que aumentaban la sensación de inquietud que transmitían ya la música y las letras. Así "Shadowplay" refleja el movimiento decadente de Manchester de finales de los '70 y "She's Lost Control" hace referencia a la epilepsia de Curtis. Unknown Pleasures fue un éxito de crítica y dentro de lo que cabe, de público, y fue como el espejo mil veces imitado por todos los grupos que quisieron acercarse a planteamientos y estilos similares.

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The Velvet Undergound & Nico

The Velvet Underground fue una banda de rock formada en New York en los '60, considerada una de las bandas más influyentes de la historia de la música y tiene un intenso culto, a pesar de haber durado pocos años y nunca haber alcanzado el éxito comercial. Su influencia sobre el punk, incluye dentro del grupo de bandas de clasificadas como proto-punk y, posiblemente, como la primera de ellas. Todo lo que se puede considerar vanguardia musical y que sucedió en los últimos veinte años nace de este disco. Andy Warhol, Lou Reed y John Cale conmocionaron la escena musical americana.

Un Lp donde se viaja de las sensaciones caóticas y el sudor frío del limbo yonqui a una tranquila mañana de domingo en el parque, del nihilismo que impregnan los textos de Lou Reed al reposo de la voz fría de Nico. Pero, por encima de todo, lo que se siente al escuchar este disco es que es algo diferente. Capaz The Velvet Underground no fue la mejor banda de la época: sin duda The Beatles y The Rolling Stones y otros son superiores musicalmente; pero ninguna formación tenia un sonido como el que la banda logró formar con The Velvet Underground & Nico.

Canciones como "Heroin" (el retrato sonoro de la angustia y la necesidad del heroinómano), "Run, Run, Run" o "Sunday Morning" son muestras de la importancia del álbum. Un disco que juega con el pop y las melodías simples pero dándoles la vuelta. Un retrato de la crueldad de la sociedad urbana moderna que no creo que pueda pasar de moda.

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Odessey and Oracle

El otro día empecé a leer acerca esta banda, sobre cómo habían grabado este álbum en Abbey Road un par de meses después de que los Beatles grabaron Sgt. Pepper's, y que era considerado uno de los mejores secretos de la era psicodélica de finales de los '70. Así que nada, empeze a buscar un poco en youtube hasta que consegui el disco entero y lo primero que se me vino a la cabeza era cómo no los había escuchado antes.

The Zombies son como los primos no queridos de Paul McCartney en los Beatles, justamente la mezcla perfecta entre Pet Sounds de the Beach Boys y el Sgt. Pepper's. En el momento en que empiezan con Care of Cell 44 sabía que iba a ser una de esas bandas que se te pega con cada canción y disco.

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The Resistance

The Resistance es un viaje por las obsesiones de Matthew Bellamy (el amor, la esficiante sociedad moderna, las teorías conspirativas, las invaciones espaciales), delirios de grandeza progresiva a su punto máximo. Más ambicioso, extravagante y pretencioso que Black Holes and Revelations, el album es una dramática colección de canciones impregnadas de espíritu sinfónico en las que conviven el glam rock, Queen, y las ambiciones orquestales salidas de la mente de Bellamy.

La sinfonía en tres partes, Exogenesis, es el proyecto más ambicioso que la banda jamás realizó. Con excelentes riffs, canciones pop, encaja perfectamente con el resto del album. The Resistance refleja desde el primer momento esta ambición de Muse por reinventarse y cambiar la forma de ver el rock.

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Funeral

La recepeción comercial del álbum debut Funeral, fue excelente a pesar del sello de la discografía independiente. Lo citaron como uno de los mejores discos del año y músicos conocidos han mencionado su nombre y elogiado su calidad (David Bowie, Bono), e incluso fueron denominados como "la mejor banda de la historia".

Aunque estas críticas hayan sido en su mayoría absurdas, este primer disco los hiso entrar a la historia del rock, una recepeción desmesurada y sumamente injusta. Es reconocido como un grupo innovador y rompedor, pero lo cierto es que su originalidad no es extraordinaria y queda algo opacada por una ejecución bastante mejorable. La aportación de violines, acordeones y pianos es anecdótica, su presencia es más atmosférica que instrumental, quedando tan solo como un añadido sobre ritmos rock algo predecibles.

Arcade Fire es lo más cercano a una stadium band que dió el indie en esta década (excluyendo a Coldplay o The Killers). La unión entre la primera etapa de Motown, con influencias francesas y los Talking Heads a través de The Cure.

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Whatever People Say I Am, That's What I'm Not

Con este primer album, los Arctic Monkeys aprovecharon el terreno ya pavimentado por The Libertines y se dieron a conocer como "la banda más importante de nuestra generación". Para muchos, no son más que otra banda de guitarras surgida a raíz del fenómeno Strokes y teniendo en cuenta a Franz Ferdinand, Bloc Party o Maxïmo Park.

Por eso no me voy a matar haciendo una super reseña cuando el 90% de la gente que entra a este blog ya los conoce de memoria. Es imposible negar la voz energética de Alex Turner influenciada por figuras como Casablancas o Doherty, con letras ingeniosas y coloquilaes sobre la cultura popular. Y nada más, ya todos lo conocen.

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A Certain Trigger

La primera vez que escuche Maxïmo Park, que fue en este álbum, pense que eran como la base de influencia de por lo menos la mitad de las bandas que aparecen en este blog, desde Phoenix hasta The Wombats. Y la verdad que me gusta seguir pensando que estos flacos van mucho más lejos de bandas como The Strokes o hasta The Futureheads, escaban las influencias de las influencias de las influencias y así hasta llegar a rescatar un sonido post punk mucho más primo que el de las bandas del 'post punk revival' como los Arctic Monkeys o Franz Ferdinand.

Todo esto hasta que aprendi que son considerados como una banda que auguraba una prometedora carrera con este debut, pero en pleno apogeo del post punk revival, no fueron capaces de seguir el ritmo de las bandas comercialmente más elogiadas, y se quedaron duros; dejando un par de trabajos más inferiores y la sensación de que no supieron estar en el momento adecuado. En mi opinión, son una de las bandas más interesantes de los últimos años.

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#2

Primero de todo, una de las mejores tapas y nombres de bandas que conozco. Suburban Kids with Biblical Names existe para demostrar lo ridiculamente bueno, pegadizo, y divertido del indie pop Sueco. Tienen un poco de Lekman, Postal Service, Pavement, y hasta Island. Juegan con yuxtaposiciones, una constable líena de guitarras, y letras desconecertantes: todo índica que son una banda de nerds. La musica crea un ambiente de felicidad y diversión que ni te das cuenta cuando los estribillos son puro blah blah blah blah.

voces grabes + ukuleles + yuxtaposiciones + nerds = suburban kids with biblical names

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The Magic Numbers

El grupo evoca el sonido de grupos como The Tyde, The Shins o The Thrills, o hasta The Coral, emparentados por melodías, timbres luminosos, coros y la sensibilidad por el pop y el folk. No cuesta remontarse a The Beach Boys, en una genealogía del pop de buenas maneras. The Magic Numbers está formado por dos pares de hermano y tan solo con dos discos que supieron explotar el potencial, tuvieron la oportunidad de tocar con bandas como Franz Ferdinand, The Flaming Lips y Sonic Youth.

Compositor de casi todo el repertorio del grupo, es el propio Romeo Stodart que se vuelve predecible por momentos, mientras que en canciones como 'Long Legs' tienen distintos pulsos y en arreglos de todo el disco se ponen en juego sonidos limpios de guitarras acústicas y elécticas suaves, pianos, bajos bien definidos, y baterias ligeras. Hay trompetas y clarinetes ocasionales, y teniendo en cuenta que tres de los cuatro músicos cantan, cumplen además con cuidados arreglos vocales.

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Tan Tarde

Venus de Milo es una banda argentina, de Mar del Plata, integrante del movimiento under-teen indie de bandas de está mitad de la década. Es una banda muy joven que la verdad me sorprende mucho con la calidad de sonido profesional que consiguieron, grabado en la casa de uno de los integrantes.

Si no se separan ni sufren los típicos problemas de bandas muy chicas y jovenes, apuesto la vida a que van a llegar muy lejos. Puedo pasar semanas escuchando el album sin cansarme de ninguna canción. La voz con el mismo efecto de Julian Casablancas, y hasta te digo que las guitarras son muy parecidas a los Strokes si comparas la velocidad. Cuando Decimos es la canción que tienen que escuchar para que les guste el resto.

strokes + mate - edad + teclado alternativo = venus de milo

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A Guide to Love, Loss & Desperation

The Wombats son considerados la salvación de la saturación new wave/post punk revival del 2008, con una actitud escénica con la que se ganaron el apodo de "power trio", montones de melodías cargadas de guitarras distorsionadas y potentes baterías que definitivamente terminaron con ese "más de lo mismo". Llegaron a tocar para la Radio 1, la revista NME, y en los festivales de Reading y Leeds, abriendo para Babyshambles y Kaiser Chiefs.

Siguiendo la tendencia de bandas como 1990's, Pull Tiger Tail, The Riffles y Olympus Mons, se unen a la lista de bandas acusadas de ser una respuesta generacional de los adictos al pop rock de los '90, y a toda esa fusión de rock electrónico bailable que tan de moda se puso. Cada single del álbum se vuelve fresco y divertido, de sonoridades que llegan con facilidad a los fans de bandas como The Futureheads, Pixies, Bloc Party, Maximo Park, Hefner y The Klaxons, con una dosis de pulso apenas electrónico, bailable pero adictivo. Son los dueños de las melodías pegadizas imparables, estribillos que se pegan con super-glue y la fórmula indie rock disco que las listas de ventas británicas estaban buscando desesperadamente.

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Room On Fire

Considerado el mejor álbum del 2003, Room on Fire es el segundo álbum de The Strokes. La misma banda con el mismo sonido, los mismos vicios, y las mismas canciones, aunque personalmente es mi favorito de los Strokes. Mejoró osetensiblemente el nivel compositivo, y las canciones dejan de ser sólidas a ser excelentes. Funciona un poco mejor que Is This It y contribuye algunas canciones que son superior a las mejores canciones de su disco anterior y de First Impressions of Earth.

Este es el álbum que dividio a la crítica musical porque su sonido, que recordaba a The Velvet Underground, The Stooges, The Ramones, Television, y The Clash, hacia que algunos los llamaran "salvadores del rock" en una época plagada de Linkin Park's y Limp Bizkit's. Es un fenómeno curisoso, la enorme fama de The Strokes: puro indie y pop con todas sus miserias y grandezas.

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Siamese Dream

Álbum aclamado por la crítica y por el público como uno de los mejores trabajos musicales de la década. Después del lanzamiento y el éxito del álbum debut, Gish, The Smashing Pumpkins comenzaron a ser promocionados exageradamente como "el próximo Nirvana". Sin embargo, la banda experimentó problemas durante ese tiempo: el baterista Jimmy Chamberlin experimentó una severa adicción a la heroína, el guitarrista James Iha y la bajista D'arcy Wretzky recientemente habian terminado su relación, y Billy Corgan experimentó sobrepeso y una depresión al punto de contemplar el suicidio, sin contar el bloqueo de escritor. Se hablaba constantemente que si Siamese Dream no resultaba ser un éxito, la banda debería disolverse.

En mi opinión, Siamese Dream es el mejor disco de The Smashing Pumpkins, superior a la locura egocentrica de Billy Corgan en Mellon Collie and the Infinite Sadness. Corgan vivió literalmente en el estudio de grabación entre diciembre de 1992 y marzo 1993, grabando casi la totalidad de las pistas de guitarra y bajo durante 16 horas diarias para conseguir el sonido cercano al rock progresivo que tanto deseaba. El resultado final es una producción muy esmerada y ornamental, con múltiples pistas de guitarras (SOMA tiene más de 100 pistas de arreglos de cuerda), y una percusión poderosa y con tintes de Jazz.

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Yoshimi Battles the Pink Robots

Después de The Soft Bulletin, que marcó un antes y un después en la discografía de los Flaming Lips, llega un Yoshimi Battles the Pink Robots que supera bastante su anterior álbum. El principio fundamental de este disco, la idea de la que nace la temática está influenciada evidentemente por Bowie. Un ser del futuro tiene que luchar contra unos robots rosas que intentan destruir la humanidad alrededor de once canciones llenos de lirismo y psicodelia a base de un excelente pop, que resulta ser para nada repetitivo.

El disco es redondo, de arriba a bajo. Fight Test abre el disco, un tema que recuerda ese The Soft Bulletin, resultado de samplers, bajos predominantes y baterías programadas. In the Morning of the Magicians es capaz una de las mejores canciones del disco donde predomina la voz de Wayne Coyne. Las canciones más pop de la carrera de The Flaming Lips, en un disco que nos demuestra una vez más que la banda puede crear nuevos ambientes en una obra maestra.

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Imagine

Después del single Power to the People del John Lennon/Plastic Ono Band, la carrera del ex-beatle agarró un giro político inesperado. Pero nadie iba a suponer que la continuación iba a ser el single Imagine, una canción simple con melodía de piano y una letra que se volvió en seguida en un himno pacifista. Y esa es la fórmula que usa Lennon en lo que queda del disco, volviendose más personal en las letras por momentos pero canciones simples, a veces con un par de influencias mas bluescas y otro par de baladas de piano. Hasta consiguió que George Harrison haga un par de arreglos de guitarra.

Imagine tiene lás canciones más sinceras que John Lennon escribió en toda su carrera como músico, y es por eso que varios críticos empezaron a dudar acerca de lo que representaban los Beatles y cómo se decia que McCartney había bloqueado todo el talento de John en la banda.

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John Lennon/Plastic Ono Band

John Lennon/Plastic Ono Band fue el primer álbum de estudio de John Lennon sin The Beatles, despues de tres álbumes experimentales editados junto a Yoko Ono y Live Peace in Toronto 1969, un disco en vivo grabado en Toronto y acreditado a The Plastic Ono Band. John Lennon/Plastic Ono Band es considerado uno de los álbumes más refinados de Lennon y como una grabación histórica.

Es un disco simple debido a la poca intrumentación que tiene: a lo mucho aparecen 2 o 3 instrumentos por canción, Kluss Voorman en el bajo, y Ringo Starr en la batería. Esto resalta de sobremanera las letras y la entoncación en cada palabra que Lennon les da. La tremenda sinceridad que emana John en todos los temas: desde furia y dolor hasta ternura, John parece estar cantando canciones para purificarse, no como el gurú y líder generacional que lanza gritos políticos a veces contradictorios.

John Lennon pone distancia con The Beatles haciendo un disco muy personal, muy inteligente y muy minimalista. Una prueba de que John no dependía de Paul McCartney en el aspecto creativo y que podía hacer grandes cosas cuando buscaba en sí mismo.

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Broken Boy Soldiers

Ayer me levanté con ganas de escuchar The Raconteurs. Rarisimo porque si bien había visto videos y escuchado alguna que otra canción colgada, nunca me había puesto a escucharlos ni nada, así que agarre y me baje Broken Boy Soldiers para escucharlo hoy todo el día. Para los que no sabían, The Raconteurs es la superband de Jack White, Brendan Benson, Jack Lawrence y Patrick Keeler. Lo que me pasa a mí es que estoy casi obsesionado con escuchar Jack White mandándose super solos con esa distorsión plástica potente que le sale perfecto.

Y mientras que esas ganas no se llenaron tanto la pase bárbaro escuchando el álbum siempre que podía. Capaz me esperaba un poco más que un rock de los '60 o los '70, pero seguro que en vivo son tremendos y sin dudas que Broken Boy Soldiers es un discazo a los 5 estrellas, un poco más de lo que es ahora The Dead Weather.

Es uno de los mejores discos del 2008, con momentos que llevan desde Revolver al Physical Graffiti. Las armonías juegan con el espíritu de los 60’s y el lado volátil de los Rolling Stones en Aftermath o The Beatles en Rubber Soul.

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Mágico Corazón Radiofónico

Mágico Corazón Radiofónico suena distinto de todo. Es como un disco de allá hecho acá, o de acá hecho allá: once canciones pop, psicodélicas, campestres, retro futuristas que sintetizan 50 años de rock argentino. No es casual que Banda de Turistas sea el primer grupo en diez años que consigue las críticas de varias revistas y medios con un disco debut.

En su primera producción discográfica el quinteto propone “un viaje mágico y misterioso”, dando como resultado el primer gran disco de la generación que creció con Internet. Con apenas 19 años todos en la banda son productores y melómanos al extremo, característica que los distingue y le da al disco una multiplicidad de estilos que van desde el beat argentino a la electrónica alemana de los ’70, pasando por el sonido vanguardista de New York a la psicodelia británica actual. Banda de Turistas consigue en un solo disco lo que a otros les cuesta una carrera.

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Friday, February 26, 2010

Oracular Spectacular

Oracular Spectacular fue uno de los discos más interesantes e importantes del 2008. Ya con la primera canción MGMT demuestra que llegaron para quedarse y que no son simplemente una banda de un solo hit pasajero. En un punto medio entre los '80 del indie británico y los '80 electropop. Sin embargo, los sonidos electropop no revalsan el álbum, sino que la variedad del disco ya está en la segunda canción, Weekend Wars, que suena a Eagles, Rolling Stones, y a Bowie, y a casi cualquier cosa antes que a electro.

Aparentemente el glam es una influencia clara en muchos otros temas, como en Pieces of What o The Youth; mientras que en Electric Feel la banda muestra unos rasgos muy disco. ¿Qué salva a Oracular Spectacular de sonar como Scissor Sisters? Una producción muy indie-lo-fi en todos los sentidos. Lo más interesante es la habilidad de estos es la creatividad a la hora de crear synth riffs que son los que te pegan toda la vida.

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Horehound

Por el momento, nada le sale mal a Jack White. Por si no alcanzara con los White Stripes y The Raconteurs, inventa un nuevo grupo y produce un trabajo denso, potente y vital, a la altura de sus otros emprendimientos. Comenzó de casualidad, cuando White se quedó sin voz al final de la gira de los Raconteurs y llamaron a Alison Mosshart, cantante de los teloneros The Kills, para que sume su voz.

La química funcionó, y junto a Jack Lawrence (bajista de The Raconteurs) y el multiinstrumentista Dean Fertita (Queens of the Stone Age), se metieron a grabar Horehound: puro blues primal, amenaza, psicodelia, riffs enfermos y una cuota de folk, que resuena con ecos de Led Zeppelin. Jack se ubica en la batería, y deja la mayor parte de los vocales a Alison, aunque dos de los mejores temas son los que cantan a dúo, Rocking Horse y Will There Be Enough Water?. Cada uno ha sabido aportar un poco de cada uno para sacar un disco redondo, donde comparten escena el garage rock junto con sonidos más oscuros.

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It's Never Been Like That

Lo que Phoenix logró con It's Never Been Like That es un tremendo album de pop rock de raíz clásica pero contundente y personal, distorcionando las sencillas y potentes bases rítmicas de un pop difícil que recuerda a bandas como The Shins o Spoon. Lo más importante es que Phoenix evita estancarse sin dejar de sonar a ellos mismos y logran su cima compositiva hasta el momento.

La influencia francesa, tanto en las guitarras vintage o en la voz acentuosa, está un poco disminuida, comparado con Wolfgang Amadeus Phoenix o sus trabajos anteriores. Igualmente, no fallan enc rear un ambiente de los '70 moviendose a una dirección mas rockera usando más guitarras que electronicas.

No creo que pueda decir que éste album es mejor que Wolfgang, pero cualquiera de las canciones de It's Never Been Like That podría encajar perfectamente en su último trabajo, y viceversa.

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The Queen Is Dead

The Queen Is Dead, es el segundo disco de la banda inglesa The Smiths, compuesto integramente por Morrisey y Johnny Marr- suele ser considerado como el mejor álbum del grupo, combinando elementos tan variados como lo sombrío y lo irónico en las letras, con estilos pop, rockabilly y punk rock. Se podría decir que con este álbum, y con la mayoría de su discografía, se adelantaron a lo que en los '90 se empezó a denominarse música indie. Lástima que The Smiths duraron demasiado poco como grupo (apenas 5 años), pero aún hoy son muchas las bandas que viven de su sonido.

El excelente trabajo musical de Johnny Marr ofrece a Morrisey el apoyo que necesita para sus mejores letras, en las que él mismo ofrece un cuadro satírico acerca de la sociedad inglesa, las diferencias clasistas, el intelectualismo e incluso sobre él mismo, como modo de reirse de los mitos que se habían creado alrededor de su persona. Se reúnen así las condiciones para uno de los mejores álbumes de la historia, que tanto influenció en la música pop desde entonces.

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Is This It?

Is This It es el álbum debut de la banda norteamericana The Strokes, considerado uno de los mejores de la década. Hay elementos del punk en los riffs, cosas de rock and roll directo, garage-rock, comientos y finales abruptos (nada de fade-in o fade out), y mucha, mucha guitarra en manos de Nick Valensi y Albert Hammond. Junto a la apretada rítmica de Nicolai Fraiture y Fabrizio Moretti, se dedican a diseñar todo tipo de insitentes, ajustados grooves rockeros. Sobre ellos, la voz marcademente distorsionada de Julian Casablancas, canta frases bastante accesibles, pegadizas aunque no muy melódicas, imitando a Lou Reed casi con desesperación.

Puede ser que una de las primeras impresiones es que el álbum suene insoportable monótono. Sin embargo, Is This It se vuelve adictivo, al punto que el sonido, todo lo insustancial y monótono que quieran, es enrosca con una facilidad sorprendente. Las melodías de Casablancas se empiezan a pegotear en una música despreocupada, alegre y fiestera. Ninguna de las 11 canciones es demasiado mala ni demasiada fantástica, todos buenos, todos sólidos.

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Vampire Weekend

Vampire Weekend tiene un toque de música africana, y música clásica. Fue uno de los albumes más comentados de los 2008, refiriendoselos como la "versión colorida de The Strokes" y la "recuperación del espíritu de Orange Juice". Y a pesar de que su música encaja perfectamente dentro del patrón de indie-rock anglosajón, se destaca por la calidez de los instrumentos y en especial por las bases rítmicas que imitan a las Africanas.

En conclusión son melodías simples y ritmos leves hechos para durar: pasan a la historia como el grupo más famoso de la reciente ola de africanismo. Son las bases de guitarra y batería que le aportaron frescura a la escena indie new wave.

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Let's Get Out of This Country

Let's Get Out of This Country es el tercer album de la banda de Glasgow, Camera Obscura. Es un album dulce y melancólico, aunque las comparaciones con Belle & Sebastian son forzadas. Igualmente, si no lograron despegarse completamente del sonido de esta banda, lo hicieron completamente con el album siguiente. Es considerado el mejor disco de Camera Obscura, pop con sonidos ochenteros y un poco de arreglos electrónicos.

Sin percusiones fuertes ni melodías rebuscadas, la música de Camera Obscura siempre se definió como ese pop con aires melancólicos. Tracyanne Campbell, es quien escribe y canta las 10 canciones del disco que regalan una buena historia y buena música. Un órgano de iglesia resuena antes que trompetas, panderos, platillos y guitarra para crear una melodía que es tan alegre como pesimista su letra. Así empieza con Lloyd, I'm Ready to be Heartbroken, una clara respuesta a la canción de Lloyd Cole and the Commotions (Are you ready to be heartbroken?).

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Embryonic

Embryonic es el album más experimental en los más de 25 años de carrera de The Flaming Lips. La música es probablemente de la que más raras etiquetas recibió por la crítica. Rock experimental, punk sicodélico, surrealistas, raros, "fearless freaks". Embryonic está mucho más emparentado con la sicodelia de su disco anterior Transmissions from the Satellite Heart, que con la delicadeza de Yoshimi Battles the Pink Robots.

Resulta muy dificil descubrir influencias o explicaciones, aunque se sabe que la elección de hacer un disco doble fue a querer asimilarse a clásicos discos dobles como los de Led Zeppelin o Pink Floyd. De alguna manera este album captura sencaciones de los '90 lo-fi para hacer un disco con la sicodelia acostumbrada a lo sucio, al feedback, a la atonalidad, donde toma un sentido global.

Embryonic no tiene singles ni estribillos pegadizos: tampoco se trata en entender lo que significa cada cosa en él. Qué importancia tienen los gritos de Karen O en I Can Be a Frog, o de dónde salió la colaboración de MGMT en Worm Mountain.

If You're Feeling Sinister

If You're Feeling Sinister es el segundo album del grupo escocés Belle & Sebastian. Es considerado un classico del indie pop. El cantante Stuart Murdoch estableció que es probablemente su colección de mejores canciones, que luego fue grabada en vivo en If You're Feeling Sinister: Live at the Barbican para que los fans tengan una versión del album con mayor calidad.

Son unos de los mejores grupos a nivel mundial de los '90, frecuentemente comparados con bandas indies como The Smiths, y tambien con genios como Bob Dylan y Nick Drake, y este album los identifica perfectamente. Tiene varios éxitos como If You're Feeling Sinister, Stars of Track and Field, Like Dylan in the Movies, que por lo menos son mis favoritas personales.

En pocas palabras, es un album clásico acústico narrador, de una de las mejores bandas indies que puede existir y que todavia siguen tocando.

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A Guide for the Daylight Hours

La primera vez que escuche este disco, no habian pasado ni la mitad de las canciones y ya estaba pensando "la puta madre, los smiths siguen vivos". Y la verdad que me hacen acordar mucho a The Smiths pero capaz en una manera más astuta o inteligente, con letras y titulos irónicos a los Morrisey o guitarras crudas por momentos a lo Johnny Marr también. Por lo menos éste álbum es un poco más feliz y menos serio que Meat Is Murder o The Queen Is Dead pero mientras más lo escuchaba más me sorprendia.

Canciones como "Where Do the Nights of Sleep Go to When They Do Not Come to Me" me hicieron pensar en Belle & Sebastian por las voces no cantadas, y "I Lost You, But I Found Country Music" también pero más que nada por tener el mismo sonido y la similaridad a la voz de Stuart Murdoch pero con un poco más de polenta a lo Morrisey. Muy poco sé de ésta banda nada más que son de Edimburgo y que sacaron varios álbumes más después de éste, pero por tener todo lo que estaba buscando en una banda en este momento un sólo álbum debut, todavía no paro de escucharlos.

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Hippies

La primera vez que escuche The Pains of Being Pure at Heart, me había parecido que el estilo garage rock con un poco de tweet en las voces era lo más original que nunca había escuchado. Después encontré bandas como Harlem, Ballboy y The Drums.

Manejando un estilo lo-fi de los ’50 a lo garage revival como el disco anterior, Hippies es un álbum más calculado, con riffs más pegadizos y estribillos singalong. Es un garage muy básico, un ruido alegre con ingeniosos cambios de ritmo que se sienten muy retro. Es un punk sin ser punk, bien simple. 16 canciones simples que no pasan los tres minutos.

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Wolfgang Amadeus Phoenix

Si se sabe algo sobre Phoenix, es que su música nunca defrauda. Crearon y fueron construyendo un sonido pegadizo que los diferencia de todo lo demás. No se si es considerado como funk/rock o es nada más el estilo único del cantante Thomas Mars (tiene una de esas voces que reconoces en seguida), pero Phoenix puede tocar un poco de funk alternativo y disponerlo comercialmente: suenan frescos.

Escuchar Lisztomania, la primera canción, es un resumen del resto de las canciones del album, peores o mejores. El sonido de synth organs, y estribillos con guitarras cortantes son entregados con la única voz de Mars. Wolfgang Amadeus Phoenix es definitivamente uno de los mejores albumes del año. Muestra tambien la evolución de Phoenix como banda pero no empuja los limites ni trae nada nuevo a la mesa. Es una versión vintage de Phoenix, aunque cualquiera de estas canciones encajaría en su anterior album It's Never Been Like That.

Wolfgang Amadeus Phoenix tiene excelentes canciones de una banda excelente, un album para mantener en repeat.

#001 - Phoenix (2009)
get it . if you like . listen . buy it

Monday, February 1, 2010

Lazy Line Painter Jane

En su segundo EP de 1997, Belle & Sebastian se meten dentro del pop de los '60, mejorando su sonido, con rincones de rock and roll. Lazy Line Painter Jane tiene un órgano de iglesia y las voces invitadas de Monica Queen, quien hace un dueto con Stuart Murdoch. El órgano y su voz salen como sorpresa, aunque Lazy Line Painter Jane es considerada una de las mejores canciones de Belle & Sebastian. You Made Me Forget My Dreams y Photo Jenny son dos ejemplos del folk-rock del grupo y se escuchan con las mismas expectativas que la primera canción, mientras que A Century of Elvis es un instrumental (usado después para A Century of Fakers en 3.. 6.. 9 Seconds of Light).

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