Unreleased Demos & Instrumentals

Hace unas semanas apareció la noticia de que Basement Records había publicado un vinilo de the Smiths con rarezas, instrumentales, y muchas tomas inéditas desde consola pre-grabación de discos oficiales. Con una calidad bastante sorprendente, el vinilo no tardo en filtrarse en uno de los foros de una página fan de Morrissey. Entre 16 canciones, el viejo-nuevo material fue muy bien aceptado, tomando el papel de una especie de Anthology pero de the Smiths.

The Hand That Rocks the Cradle es la canción con la que arranca la compilación, sin muchas diferencias con la versión de LP final. La grabación pertenece a un monitor mix de John Porter, una mezcla muy cruda que más que nada sirve para que la banda y el productor escuchen que necesita un poco más y un poco menos antes de la mezcla final. La versión no tiene la guitarra acústica persuasiva durante la versión final, aunque la eléctrica de Marr no deja de sonar igual de simple y brillante.

En Reel Around the Fountain se puede escuchar una de las mejores guitarras que Marr compuso para la banda. Simon Goddard piensa que esta es la mejor toma que hiso la banda y la verdad que es dificil de contradecirlo. Tercero aparece Rusholme Ruffians, una versión mucho antes de las sesiones para Meat Is Murder. Durando cerca de los siete minutos (la original dura 4:20), parece una versión mucha más cruda pero igualmente de lista y preparada para ser grabada. Moz parece muy crudo, en un momento en que la letra ni la melodía estaba muy trabajada. Marr por su lado hace un tremendo trabajo en esta versión, con una crudeza que le sienta mucho mejor que cualquier otra versión de la canción.

Después de una versión ineditada de the Queen Is Dead (en la mezcla final, le cortaron varios minutos de instrumentación), y una toma previa de Sheila Take a Bow, llega la primera grabación oficial inédita: This Night Has Opened My Eyes. La única versión conocida de esta canción era un que habían grabado en 1983 para las Peel Sessions en BBC. La banda grabó una versión de estudio casi un año más tarde, pero por alguna razon nunca decidió hacer nada con ella. Es un poco más rápida que la de la BBC pero sin muchos otros cambios significativos.

I Misses You es otra canción completamente inédita, un instrumental escrito por Marr, en la que deja que el bajo de Rourke tome todo protagonismo. Grabada durante las últimas sesiones para Meat Is Murder, algunos sospechan que la guitarra tiene unos aires a "Heaven Knows I'm Miserable Now" y que seguramente por eso la descartaron. Sigue la primera toma de Ask que grabó la banda de Manchester, un sonido mucho más crudo que la versión final, con una distorsión levemente diferente, mucho más grave en ambas guitarras.

There Is a Light That Never Goes Out aparece también en forma de una toma muy temprana. Lo sorprendente puede ser la confianza en la voz de Moz, no muy lejos de ser igual a la original. Otra sorpresa es una nueva estrofa: "there is a light in your eye and it never goes out" casi al final, omitida en la versión final de la canción. Is It Really So Strange es otra grabación de estudio inédita de la banda, escuchada antes en las John Peel Sessions y en el disco en vivo Rank. Al parecer, cuando tuvieron que elegir el lado-b para Sheila Take a Bow, optaron por la version de John Peel, aunque esta versión demuestra a un Marr con una guitarra mucho más ordenada y organizada que la otra version.

Frankly, Mr. Shankly resulta una de las canciones más curiosas del compilado, con un agregado bastante simpaticón de trompetas entre versos. El disco va llegando al final con un instrumental de Shoplifters of the World, con un par de riffs de Marr que están escondidos o borrados de la versión final. El bajo de Rourke es mucho mejor en esta versión, aunque aparte de eso no hay muchas otras diferencias.

Aparece una versión muy rara de Girlfriend in a Coma, mucho más reggae, y con una ausencia de la protagonización que tiene el bajo en la versión final. La primera toma de Death of a Disco Dancer, y una temprana de Paint a Vulgar Picture hacen el final del disco, junto con otro tema inédito instrumental de Marr. Parte de las últimas sesiones de la banda, la música es muy diferente al estilo de la banda, sonando casi como Zeppelin.

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#327 - The Smiths (2010)

With a Little Help from My Friends

Con la pequeña ayuda de su amigo, Jimmy Page, Joe Cocker logró juntar varios covers y un par de canciones propias para en 1969 sacar su primer disco. El disco salió cuando Cocker estaba llegando a Estados Unidos y se lo llamó para que toque en el Woodstock y de su tan conocido y legendario set de seis canciones.

En su primer disco no tiene ni miedo de versionar tremendas canciones: arranca con Feelin' Alright de Traffic, dandole todo un sonido rockanrolero blusero que lo acompaña durante todo el disco, junto a su tremenda voz característica. Hace dos covers de Bob Dylan, Just Like a Woman de Blonde on Blonde y deja I Shall Be Released para el final. Entre Dylan no pierde tiempo mientras versiona Don't Let Me Be Misunderstood de Nina Simone, y With a Little Help from My Friends de Lennon/McCartney para Ringo (la mejor versión de la historia).

Paul McCartney y George Harrison (ya con los Beatles separados) habían quedado tan sorprendidos y alagados por el cover de Cocker, que le dejaron usar She Came in Through the Bathroom Window y Something para su segundo disco, aunque siempre va a quedar la canción que le da título a su primer disco como el clásico de Cocker.

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#315 - Joe Cocker (1969)

Burning Bush Supper Club

Bear Hands es una de esas bandas que puede llegar a causar una muy buena primera impresión, por los menos en los primeros temas. El úlitmo disco de la banda, Burning Bush Supper Club, suena muy fresco, con un par de temas destacables. Hacen una especie de pop con algún tinte electrónico al estilo MGMT pero mucho menos festivos, psicodélicos, y experimentativos. Mierda, hasta es imposible no pensar en Andrew Vanwyngarde al escuchar cantar a los nasales de Dylan Rau.

Igualmente no tengo idea de donde sacaron la etiqueta de banda post punk / experimental de Brooklyn, capaz será uno de esos disparates que se manda Pitchfork de vez en cuando. Para la misma página, Burning Bush Supper Club es el disco que Congratulations de MGMT tendría que haber sido. Y aunque no sea una opinión que yo comparta, la gente que no le haya gustado este último disco capaz piense lo mismo.

Bear Hands no promete ser nada nuevo por el momento aunque no se aleja de ser una novedad con sus sintetizadores íntimos y el surrealismo que no llega al nivel suficiente de psicodélico. Por momentos puede llegar a ser un disco muy rompe pelotas, ya que la banda no tampoco lejos de caer predeciblemente en el otro lado y ser uno que otro Tokyo Police Club.

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#326 - Bear Hands (2010)

Midnight Cleaners

Muy poco y nada se sabe sobre Cleaners from Venus, banda inglesa de los '80. Nació como un proyecto entre el músico Martin Newell y Lawrence Elliot, mientras Newell sacaba un single solista después de haberse separado con su otra banda the Stray Trolleys. La banda sacó la mayoría de sus trabajos en cassette, siendo parte de las tantas bandas que se unian a ese tipo de "cultura".

Para 1983, Cleaners from Venus se había convertido en una banda con miembros constantemente cambiando, con la excepción de Newell como único miembro fijo. Antes de firmar con una discografica alemana independiente, y sacar su primer disco en vinilo, Under Wartime Conditions, sacaron un par de cassettes. Entre ellos está Midnight Cleaners, que contiene capaz uno de sus temas más conocidos, Only a Shadow.

Midnight Cleaners da data de una banda muy muy fantasma, y es un trabajo muy dificil de conseguir, ya que no debe haber muchos cassettes rips. Con un estilo post punk casi pasando a post punk pop (?) Cleaners from Venus suenan como los abuelos de bandas como Ariel Pink's Haunted Graffiti especialmente o hasta MGMT. Justamente, es esta última banda que está haciendo despertar curiosidad acerca de Cleaners from Venus, después de haber versionado Only a Shadow en vivo y recientemente en las Daytrotter Sessions (link).

Por otro lado, analizando de cerca las grabaciones, aparecen nombres como the Zombies, aunque cualquier influencia que haya tenido la banda no es nada comparado con la genialidad de Newell. Llama la atención que una banda como esta haya pasado tan desapercibida, seguramente será por el tema de los cassettes. Cleaners from Venus serán capaz para muchos, los eternos padres del lo-fi.

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#324 - Cleaners from Venus (1982)

Little Joy

Little Joy es el proyecto no tan reconocido en el que embarcó el baterista de the Strokes, Fabrizio Moretti, junto al cantante de Los Hermanos, Rodrigo Amarante, y la instrumentalista Binki Shapiro. El disco debút salió en 2008, siendo el segundo de los integrantes de los Strokes en tener un proyecto, justo entre Albert Hammond Jr. como solista y Nickel Eye.

Si el primer disco de Hammond Jr. había sido una tremenda sorpresa, Little Joy fue casi el triple de sorprendente ya que nadie se esperaba tanto del baterista. Siendo una banda sin muchas pretenciones, con colaboraciones de Devendra Banhart, Adam Green, y Nick Valensi (los últimos dos apenas como coros casi indistinguibles), el disco termina siendo justamente un pequeño placer.

Es un disco que trata de no mantenerse en un ámbito completamente acústico, aunque la idea que se termina teniendo de haberlo escuchado mucho tiempo es un sonido acústico con influencias brasileras y el espíritu Stroker latiendo en el fondo. Creo que nadie se esperaba de Moretti un sonido tan Stroke y menos tan acústico.

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#323 - Little Joy (2008)

No Witch

No Witch es el nuevo disco de the Cave Singers, a salir en febrero de este año. El trio ya tenia experiencias en sacar discos redondos con un poco de folk y un algo más para sorprender, y el tercer trabajo de la banda no es la excepción. El disco empieza como un folk esperado pero termina siendo casi una esperanda, influenciado mucho por el rock de fogata barato que el productor Randall Dunn (Black Mountain) trajo a la mesa.

El disco llama la atención recíen pasadas las primeras canciones, dejando de lado el folk que todos se esperaban de la banda. Juega un poco con un par de riffs que se tranforman en un garage rock que en otras canciones se convierte en un rock acústico bastante ácido. A luz de lupa, the Cave Singers siguen siendo the Cave Singers, veas como los quieras ver.

Con suerte, la banda logra por momentos despegarse de la etiqueta "indie folk" y esquivar la de "freak folk" para crear algo que si bien no pertenece a ninguno de esos generos, planta raíces en el folk pero para elevarse al máximo en algo lleno de matices que escapan del concepto tradicional.

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#322 - The Cave Singers (2011)

Special Affections

John O'Regan comenzó su carrera como fundador de los post punk the D'Urbervilles. Algo que siempre llamó mucho la atención de la banda fue la excelente voz de Regan, acompañado por el ambiente neutro que creaba la banda. Ahora, John empezó a escribir canciones bajo el nombre de su alter ego, Diamond Rings, ya en el 2008, y para 2009 ya había sacado su primer single con video y todo.

Ahora, esta era una faceta que nadie conocia del cantante. Un tipo que siempre veias con anteojos escondido abajo de un gorro de lana, decidió explotar su identidad sexual al máximo. De estética glam ochentoso a más no podes, causó más que repercusión hasta que apareció su debut Special Affections. Dejando de lado todas las excentricidades y estrategias para llamar la atención, el disco resulta ser mucho más que "decente".

Para ser un disco que parece por momentos producido en el mismo cuarto del tipo, Special Affections es muy conciso. Es dificil encontrar un disco del 2010 que sea tan directo y que no se pierda entre tanta mezcla o vueltas. El sonido está muy muy bien estructurado, con (repetitivamente) la voz "apasionada", los planos drum machines, y un par de sintetizadores creciendo desde el fondo. Hay temas que sorprenden de tanta protagonización que tienen las guitarras pero igualmente no se van de la idea básica.

Diamond Rings no solo lleva el pop de teclados y electrónica para crear temas efectivos y bastantes gustosos. Habría que ver si acompañado de la música no estuviera esta voz tremenda, capaz sería un disco que causaria un poco de asco. Es el mismo Regan que salva su propio alter ego de ahogarse en un oceano de pop electrónico asqueroso, con una tremenda voz grave que lo hace distinguir como proyecto.

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#321 - Diamond Rings (2010)

Myths of the Near Future

Desde que sacaron su primer EP 'Xan Valleys', el nombre de Klaxons apareció en todos lados, al mismo tiempo que reventaban pistas en el Reino Unido. Se volvian la gran esperanza de la renovación de la escena británica, de la mano de la asquerosa etiqueta New Rave. La isla británica tuvo que esperar hasta 2007 para volverse loca cuando la sensación debutó en formato largo, reivindicando con fuerza el ruido mediático.

Ya se conocian 'Atlantis to Interzone' -con sus tremendos quiebres de ritmo-, la incendiaria 'Gravity's Rainbow', y la descarga de adrenalina que es 'Magick'; todos estos habían sido editados en el EP del 2006. Producido por James Ford de Simian Mobile Disco, Myths of the Near Future es una obra inquieta, complejísima y que redimensiona el pop británico de esos años, aún siendo menos bailable que los singles anticipaban.

El primer disco de la banda puede ser abrasivo por momentos, sin sonar a pop inglés ni estadounidense: Klaxons han conseguido dar con una fórmula personal e inimitable que, si bien trae a la cabeza varias influencias, aporta sangre nueva a la escena internacional.

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#320 - Klaxons (2007)

Cape Dory

Cape Dory es el primer disco de la pareja de Denver, Patrick Riley y Alaina Moore, marido y mujer. Habían ya sacado un EP y un 7" o una cosa así, asi que su primer disco se había vuelto uno de los más anticipados de esta primera parte del año. Muy parecida a la historia que tenian the Drums, nada más que se esperaba que Cape Dory no sea tan desilusionante.

Lo único que puede llegar a resultar como desilusión es que solamente la mitad de la canciones en el disco son inéditas, con la otra mitad ya editadas pero levemente mejoradas. Después de eso, Tennis resulta ser exactamente lo que se esperaba: un disco muy veraniego, guitarras con sonido atmosférico que acompañan al altar a una voz escondida por alguna que otra distorsión estratégica lo-fi. Hay partes en las que esa voz se vuelve un poco insoportable, especialmente cuando usan coros igual de gritones. Es en esos momentos en donde capaz una voz menos distorsionada vendría mejor.

Habiendo escuchado una y otra vez las canciones que habían sacado antes, el primer disco suena igualmente de fresco. Ya hay algunos que andan criticando a las nuevas versiones de las canciones que ya habían editado, pero la verdad es que los cambios son mínimos. Tennis presenta diez temas veraniegos en forma de ocio, sin miedo de parecer una versión mas cheta de Best Coast.

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#325 - Tennis (2011)

iTunes Session

Cerrando un año mucho más que exitoso, Vampire Weekend sacó su sesión en iTunes el otro día. Los que habían visto videos de la banda en vivo saben lo bien que suenan en vivo, sin desafinar ni un poco, con la misma precisión que en las canciones originales. Es una lástima que es un EP tan corto y deje fuera varias canciones.

La banda empieza con A-Punk para sacarselo de encima, con un sonido más impecable imposible. Se animan a tocar sus propias versiones de "I'm Going Down" de Bruce Springsteen, y de "Have I the Right" de the Honeycombs (canciones que parecen casi propias con el elemento Vampire Weekend que le aportan). Hacen uso de trompetas en la mayoría de los temas, algo que uno capaz pensaba que iba a quedar mal en canciones como Cousins, pero nada que ver.

Otras curiosidad aparece cuando la banda versiona su propio tema 'Holiday' y lo hace mucho más lento y menos frenético que el original. Sin contar los desafinados de Ezra por momentos, la banda hace un laburo tremendo, al igual que en todo el Ep, con 'Cousins' y terminando con 'Cape Cod Kwassa Kwassa'. La banda se presenta en febrero en nuestro país en un lugar todavía a confirmar aunque se rumorea que sería en el Samsung Studio.

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#318 - Vampire Weekend (2010)

II

Led Zeppelin sacó su segundo disco en 1969, apenas ocho meses después de que salia su primer disco, después de varias sesiones que habían contado totalmente con Jimmy Page como productor. Fue el primer disco de la banda posicionarse como primero en Estados Unidos y en el Reino Unido, y es considerado como uno de los discos más influenciales del historia del rock (como cualquier otro puto disco de Led Zeppelin).

Led Zeppelin II rompió las barreras líricas de las canciones del primer disco, consolidandose como un trabajo que aclamado mundialmente y mucho más influencial que su primero (aunque no se queda ni un poco atras). Con elementos del blues y del folk, el disco exhibe la evolución del sonido de la banda a estructuras derivadas del blues basadas en riffs de guitarras.

De este disco van naciendo los inmoratales clásicos de Led Zeppelin: arrancando con Whole Lotta Love (aka la canción en la que Robert Plant tiene un orgasmo), The Lemon Song, la potente Heartbreaker, y el épico solo de batería en Moby Dick. Las otras canciones no son de relleno tampoco, siendo parte del enérgetico hard rock de los casi '70.

El segundo disco cristaliza como en muy pocos discos el momento de evolución del hard rock: existían estandares y formatos que se iban consolidando ya en un género propio más que como patrones en repetición. Los omnipresentes riffs demoledores y despiadados, la increíble afilada voz buscando los límites del pentagrama, las baterías enormes de ritmo marcial, y el bajo sumiso que acota sus líneas de blues para irse acomodando como un apoyo esencial.

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#317 - Led Zeppelin (1969)

No Seasons

Después de varios 7's, splits, y singles de más, Jacuzzi Boys sacó su primer disco a finales de 2009. Su garage rock despreocupado venía dando de qué hablar, pero fue con su primer disco que en serio se dieron a conocer (bah, casi). Con una tapa censurada en iTunes y en Amazon, la banda se hace conocida por ser la una de las bandas de la escena garage rock americano que se les nota bien bien la influencia Ramoniana.

Siendo el crappy garage rock que tanto se conoce de arriba abajo, los Jacuzzi Boys tuvieron problemas para sacarse el sombrerito de 'alumnos de Black Lips' que les habían colgado. Sin embargo vivieron para contar cómo se volvieron una banda con paso firme, sin hacer ningun agregado importante a la formula de voces gritando en pedo, guitarras distorsionadas (SIEMPRE) y letras ridículas.

Habiendo seguido de cerca la carrera de la banda, es imposible decir que No Seasons decepciona. Capaz quedan algunas quejas por no haber incluido el single "Ghost Ghost", pero no dejan de ser cosas muy subjetivas. Como era de esperarse también, el disco se pasa volando, lo que lo hace un disco para tener en repetición.

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#316 - Jacuzzi Boys (2009)

Qu'est-ce que c'est la vie, chaton?

Otra banda que cierra el año a lo loco: MGMT sacó un Ep casi imposible de conseguir excepto que seas un frances que gastes plata en iTunes. Con un disco mucho menos comercial que el primero, recibieron críticas bipolares departe del público. Parece que el segundo disco de la banda no tuvo tampoco el mismo éxito comercial que el primero, por lo que para el tercer disco homónimo de la banda, la discográfica se va a encargar de tenerlos un poco más controlados.

Sin embargo, llegando a año nuevo, Congratulations apareció en la gran mayoría de las listas de lo mejor. "Qu'est-ce que c'est la vie, chaton?" es el primer EP en vivo de la banda, grabado este año en la ciudad de Bataclan, en Francia. Omitiendo los dos hits de Oracular Spectacular que los hicieron tocar y aparecer en todos lados, el EP se resume en cinco canciones: Weekend Wars, Flash Delirium, Destrokk, Congratulations, y Brian Eno.

Me parece medio raro que sigan incluyendo Destrokk, el primer single de la banda que aparece en el EP de Time to Pretend (te das cuenta la diferencia de gritos cuando empieza Destrokk que cuando empieza Flash Delirium). Se nota a la banda como mucho más amigable con el público, charlando de vez en cuando. El Ep no es la mejor grabación en vivo de la banda pero por lo menos supongo que nos sirve para ver qué nos espera este 23 de enero en Mar del Plata.

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#319 - MGMT (2010)

The Stone Roses

The Stone Roses fue una banda de Inglaterra, y es considerada uno de los grupos que más influyó al Britpop de los '90. Es también una de las bandas esenciales del movimiento Madchester a finales de los '80, y son muchas veces considerados los responsables directos de bandas como The Verve, Oasis y Blur. Su primer disco homónimo es muchas veces referenciado como uno de los más importantes de la música británica (si, exageradísimo capaz).

En una época en que la separación de los Smiths todavía lloraba en las calles de Manchester, the Stone Roses movieron de todo para grabar con John Leckie, quién había producido a Pink Floyd en Meddle, y sacar su priemr disco en 1989. Mezclaron un estilo de rock psicodélico aguado con música dance, con el ingrediente Beatle casi innato de cualquier banda británica.

El disco captura la esencía de una banda que creo el britpop, un sonido que merece golpear en la cara a bandas como Oasis de tanto plagio. Es una banda que capaz tenía mucho más potencial que el que demostró en sus dos discos y una compilación, pero por lo menos vivió para marcar como una nueva era en la música británica.

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#314 - The Stone Roses (1989)

Absolution

Absolution es el tercer disco de la banda inglesa Muse, un disco que representa una especie de transición del grupo, solidificando el nombre en Europa y atravesando Estados Unidos con el tag de banda alternativa. Parte de los trolls que bombardeaban a Matthew Bellamy por querer imitar a Thom Yorke se callaron, en un año en que Radiohead acababa de sacar Hail to the Thief, con un Kid A que todavía dejaba ecos.

Capaz es el disco que empieza a concretar mejor la verdadera personalidad ambiciosa de Muse (o Bellamy?) para ser recordadas como una de las bandas más fuertes por lo menos mientras duró. Puede ser que no sea un disco innovador o progresivo pero triunfa rompiendo los estigmas de sus anteriores para crear una fuerza experimental que desafía sus limites sin miedo de explorar nuevos terrenos. Tomó su tiempo en crearse, un disco diseñado y estructurado de manera concisa, dejando a un lado la improvisación para adoptar un control totalitario de las partes.

Se dice que en las primeras etapas de grabación, Muse estaba más enfocado a la experimentación extrema y al sonido más relajado, pero la reacción de la banda a la guerra de Irak transformó el disco en la mejor arma de la banda contra un sinsentido bélico. Si la banda fuera una emoción, en Absolution serían una rabia épica.

Absolution sacrifica naturalidad y crudeza mientras deja de lado los momentos en que la simpleza del sonido se hacia notar, por una ambición de sofisticación. Crea un ambiente de perturbación, extravagancia y teatralidad que nunca hubieran sido analizados en los discos anteriores. Mezclan baterías rotundas, guitarras sostenidas, bajos graves, y espirales de teclados de los que tanto habían abusado antes y ahora se vuelven un punto característico.

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#313 - Muse (2003)

Dye It Blonde

Smith Westerns seguían en el colegio cuando sacaron su primer disco homónimo en el 2009. En ese momento la banda encantó con su crappy lo-fi rock, pero desde entonces pegaron un tremendo salto. Parece que la banda se dió cuenta de la imagen que estaban ofreciendo, una banda no muy distinta a la ola de surf garage rocks que vienen de Estados Unidos como the Strange Boys o Ty Segall. De ahí admitieron que les tomó un año reinventar su propio sonido, deshacerse de la fachada garage y volverse un poco más sinceros.

Las voces se siguen escondiendo, aunque capaz no tanto, en el efecto lo-fi (que tanto se escucha en the Pains of Being Pure at Heart o millones de bandas) pero se distingue una voz más dulce y mejor entonada. Asombra cuando pedazos de Bowie o T. Rex asoman entre canciones o solos de guitarras con ese efecto fuzzy, en comparación sobre todo con el primer disco.

No sé si la maduración sónica de Smith Westerns se debe al productor Chris Coady (Yeah Yeah Yeahs, Beach House), pero el nuevo sonido de la banda es el que va a perdurar y los va a ayudar este año. Dye it Blonde encanta de la misma manera que lo hizo Album de Girls, y aunque se nota que a la banda le falta mucho por madurar y experimentar, Smith Westerns es la primera sorpresa que nos preparó el 2011.

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#312 - Smith Westerns (2011)

The Doors

The Doors fue una banda que ya empezando, tenia ingredientes de sobra para jugar un papel importantísimo en la recta final de los '60. En el primer disco homónimo se escuchaba a una banda original y talentosa, pero más que nada, una banda muy compenetrada. Habían firmado con Columbia Records pero, al no conseguir un productor descente, cancelaron el contrato. Tocaron en un par de bares hasta que fue Jac Holzman el que los descubrió para firmarlos con Elektra Records.

El combinación de cada miembro hace el sonido único de la banda. Cuando the Doors nació en un verano de 1965, el guitarrista Robby Krieger llevaba apenas medio año tocando la guitarra eléctrica, con un estilo español muy influenciado por el flamenco. John Densmore había tocado la batería en una banda con Krieger, aunque de ahí pasó a experimentar con el free jazz que tanto se escuchaba de la mano de Coltrane. La banda no contaba con un bajista, por lo que dejaba al tecladista Ray Manzarek con el labor de tocar graves y agudos al mismo tiempo. Jim Morrison nunca había cantado antes.

El primer single fue 'Break On Through (to the Other Side)', pero la discográfica no tardó en cortar la parte instrumental de 'Light My Fire' para que se vuelva #1 en el país y suene en todas las putas radios. La voz se empezó a correr rápido, especialmente acerca del Morrison, un poeta agresivo con varias adicciones pero con mucho que decir. La música estaba caracterizada por tener un sonido raro, más que nada por la ausencia del bajista, lo que hacía que haya teclados x2 y obligaba a Densmore a mantener el ritmo: su sensibilidad jazz lo mantiene exacto e impredecible a la vez. La guitarra también terminaba de crear el ambiente, con Krieger tocando guitarra rítmica y primera guitarra, sin púa.

El album fue grabado en apenas 5 días en un 4-track, con la mayoría de las canciones listas en una o dos tomas. La convivencia del caos de Morrison y a la vez su propia armonía representaba una generación en contra de vivir bajo las normas sociales de un país bipolar. The Doors se estableció como una banda emblema de los '60, una banda de reexperimentación y autonomía.

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#311 - The Doors (1967)

Odd Blood

Si hay algo que se puede decir sobre Odd Blood y que no haya una división de pensamientos, es que es un disco que sorprende. Por un lado presenta un sonido completamente distinto al primero de la banda. Yeasayer se habían ganado los oídos de varios con una onda psicodélica que asomaba comparaciones a un MGMT con influencias africanas. Por ese lado, Odd Blood fue un cambio radical, pasando a una especie de electropop culto que nadie se veía venir.

Pero la razón más importante que hace al disco algo capaz de sorprender constantemente a primer escucha para bien o para mal, es la exagerada combinación y fusión de varios sonidos y ritmos bailables. De un lado optimista, cabe rescatar la exploración por la que pasó la banda, aunque eso supusiera ciertos riesgos y tantos errores. El objetivo de la banda no pudo haber estado más cumplido: Yeasayer descolocan a medida que van tumbando todas las ideas que se habían formado acerca de ellos.

Se los puede ver como los primos de Animal Collective con estribillos que hacen que la banda por momentos se encuentre al borde de ser comparada con una boy band. Si por algo se habló tanto de esta banda en el 2010, es porque son responsables de una convivencia entre armonías vocales, sintetizadores, toques funks y folks con ritmos africanos, todo a la par de algo que muy superficial se lo puede llegar a describir como música electrónica.

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#310 - Yeasayer (2010)

13

Blur ya venia con cinco discos que, aunque no dejaban nada que desear, la discografía de la banda parecía un ensayo continuo, la búsqueda de un sonido inalcanzable. Se dice que hizo falta que saquen 13, su sexto disco, para que el silencio a la pregunta "cómo suena Blur?" se haga por lo menos un poco más corto.

Igualmente, la respuesta no es tan clara, ya que el disco es una mezcla de sonidos y experimentaciones de viajes que van desde Bowie en '1992', pasan por el punk de los '70 en 'B.L.U.R.E.M.I.", hasta un pop con guitarras que van y vienen en un bucle psicodélico en 'Battle'. 13 es muy rico en matices que juega con el núcleo garage de la banda de una manera sobreproducida ahora que habían firmado con EMI.

El sonido del que se apropiaron es el que estuvieron tocando desde hace bastante y capaz no se animaron a darlo por encontrado. Superficialmente, Blur siempre va a tener los estribillos de 'Song 2', 'Coffee & Tv' y 'Tender', mientras que el sonido por el que la banda tendría que ser recordada es justamente el de una experimentación y reinventación constante que mientras no va a ser lo que el público espere de haber escuchado esas tres canciones, es algo que nunca va a defraudar a la gente que viene siguiendo de cerca el sonido de búsqueda de sonidos.

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#309 - Blur (1999)