Abbey Road (Stereo 2009)

Abbey Road es el décimo primer álbum de The Beatles editado en el verano del '69. Es considerado uno de los discos más bien construidos del grupo británico, aunque la banda apenas funcionaba como un grupo unido ya en esa época. Para enero de 1970 los Beatles estaban al borde de la separación, cansados y enojados entre ellos después de las desastrosas sesiones para el Get Back LP que fue abortado, y luego lanzado como Let It Be. El álbum no tiene temática salvo la genialidad de los Beatles.

El álbum abre con Come Together, escrita por Lennon. Los versos de la canción son oscuros y describen a cada uno de los Beatles, (por ejemplo "he's one holy roller" refiriéndose a las creencias de George Harrison). Harrison escribió Something mientras estaban grabando The Beatles, y es la canción favorita de Lennon en el álbum, y la mejor canción que George escribió según Paul McCartney. Harrison estaba madurando como compositor y fue en Abbey Road donde hiso sus contribuciones más importantes. Maxwell's Silver Hammer, es la primera canción de McCartney en el álbum, y fue ensayada durante las sesiones de Let It Be. Lennon se negó en participar en la grabación de esta canción, diciendo que era "more of Paul's granny music". En la producción de Oh! Darling, McCartney intentó grabarla apenas se despertaba en la mañana para que se voz pareciera más cansada y ronca. Lennon siempre pensó que él tendría que haber hecho las vocales principales ya que era una canción más de su estilo que el de Paul. Ringo Starr escribió y cantó una sola canción en el álbum, Octopus's Garden, su segunda y última composición lanzada en un álbum de los Beatles. Fue inspirada por un viaje que Starr hiso cuando renunció a la banda por dos semanas durante la grabación de The Beatles. Mientras escribió la letra, Harrison escribió la mayoría de la estructura musical para la canción, aunque le dio completo crédito a Starr. I Want You (She's So Heavy) es la combinación de dos demos. El primero es parte de la grabación de Let It Be, y el segundo de la de Abbey Road. Con casi 8 minutos de largo, es la segunda canción más larga de los Beatles, revelando un pronunciado rock progresivo, riff repetitivo, y efectos de noise. Durante el final, mientras el ruido se hace cada vez más fuerte, Lennon le pidió al productor que la corte ahí la canción, dejando un silencio repentino, donde termina el primer lado de Abbey Road. La última grabación y ensayo de I Want You (She's So Heavy) sería la última vez que los cuatro trabajaron en un estudio juntos.

Here Comes the Sun, es la segunda canción de Harrison en el álbum, y es una de sus canciones más conocidas. Es una decisión sumamente moderna, que ilustra lo adelantados que estaban para su época. Because fue inspirada por una sinfonía de Beethoven: Yoko Ono estaba tocando la canción en el piano, y John le pidió que toque las notas al revés, y así surgió la canción. Lennon, McCartney y Harrison cantan en está canción, donde sus voces fueron multiplicadas en la grabación para que parecieran nueve personas cantando. You Never Give Me Your Money es la primera canción del medley. Fue escrita por McCartney y está basada en los problemas financieros de los Beatles con su compañía discográfica Apple. Se mezcla lentamente con Sun King (que tiene el mismo truco de voces que Because), seguida por Mean Mr. Mustard (escrita durante el viaje a la India), y Polythene Pam. Éstas se mezclan con cuatro canciones escritas por Paul, She Came in Through the Bathroom Window (escrita sobre una fan que literalmente entró a su casa por la ventana del baño), Golden Slumbers y Carry That Weight (con coros de los cuatro Beatles) y el climax The End (con el único solo de batería de Ringo Starr en la historia de The Beatles). El álbum termina con el bonus track Her Majesty, originalmente incluida en el medley pero luego descartada por McCartney. Fue el productor que la puso al final, y los Beatles la dejaron.

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Let It Be (Stereo 2009)

Let It Be es el décimo segundo y último álbum de estudio de The Beatles, y lo sacaron un poco después de que la banda anunció oficialmente la separación. Fue un álbum controvertido ya que los cuatro se habían propuesto grabar un disco para tocar un último recital en vivo. Por eso, las sesiones de grabación del disco (las sesiones Get Back) empezaron a ser filmadas en 1969, y quedaron como documental de la tensión en los ensayos con constantes discusiones entre ellos.

El primer lado de Let It Be empieza con ‘Two of Us’, una canción que originalmente iba a ser más pesada a lo ‘One After 909’, pero McCartney nunca se había sentido satisfecho con esa versión y los cuatro empezaron a imaginarse cómo sonaría la canción si Stevie Wonder la tocaría. Sigue ‘Dig a Pony’, (mi canción favorita de siempre de los Beatles) escrita por Lennon que la consideró “a piece of garbage”, aunque en ese momento estaba comentando lo mismo de varias de sus canciones. La grabaron en vivo desde el rooftop concert en Apple y básicamente son varias frases sin sentido. ‘Across the Universe’ es una de las baladas más delicadas y cósmicas de la banda, uno de los temas claves del álbum y con una de las mejores y más poéticas letras según Lennon. ‘I Me Mine’ sigue y es “the ego problem” según George Harrison, quien fue el que se encargo de componerla. Muchas veces se habla como si fuera un relato de los egos de Lennon y McCartney que estaban separando a la banda. Después sigue ‘Dig It’ que es una de las pocas canciones que compusieron todos los Beatles juntos, aunque originalmente ni estaba en LP, sino que estaba reemplazada por ‘Don’t Let Me Down’. La versión de 51 segundos que aparece en el álbum es un rip de un medley de 15 minutos que habían empezado tocando con ‘Twist and Shout’. El primer lado cierra con ‘Let It Be’, otro tema muy clave del álbum, inspirada por un sueño que tuvo McCartney en el que aparecía su madre y le decía “It will be all right, just let it be”, refiriéndose a los problemas que había mientras grababan The Beatles (el “White Album”). Lennon siempre desvalorizó el éxito de la canción diciendo que en ese momento Paul ni siquiera sonaba como un Beatles, y que parecía una canción de Wings.

‘Maggie Mae’ abre el segundo lado del álbum, y es originalmente una canción tradicional de Liverpool, seguida por ‘I’ve Got a Feeling’ otra canción del rooftop concert. En realidad es una mezcla entre dos canciones de Lennon y McCartney que no habían terminado, por eso contrasta las letras optimistas de Paul con las pesimistas de Lennon. Después viene ‘One After 909’, una de las primeras canciones que Paul y John habían escrito juntos recién en 1957. Se trata de la obsesión que tenía Lennon con el número 9 y cómo él decía que lo siguió toda su vida. Es también una de las canciones favoritas de McCartney porque le hace acordar a cuando se juntaba con John a escribir sus primeras canciones. ‘The Long and Winding Road’ es la que sigue y es el último single que sacaron los cuatro como banda. Como la mayoría de las canciones del álbum, fue inspirada en la tensión creciente entre los Beatles, y es considerada una de las canciones más tristes de McCartney. Le sigue ‘For You Blue’, escrita por George Harrison, y muy poco se sabe de esta canción, nada más que es una canción muy blues que justamente se llamaba originalmente ‘George’s Blues’. La última canción es ‘Get Back’, sacada también del rooftop concert, y es una de las canciones del álbum con la que los cuatro Beatles quedaron muy satisfechos y hasta se los ve felices tocándola en la película Let It Be. La versión en vivo se vio interrumpida por la policía por eso tuvieron que volver al estudio al día siguiente a grabarla.

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My Propeller

Los Arctic Monkeys son unas de las pocas bandas de la escena que nos siguen malcriando con un par de b-sides con cada single que sacan. No hace mucho que sacaron Humbug, el tercer y último disco hasta la fecha (ya anunciaron que al fin de la gira se van a poner a grabar el cuarto) que tuvo un éxito bastante interesante pero que no se compara con su primer y segundo álbum. Si te lo bajas es imposible que no escuches la influencia de The Last Shadow Puppets en por lo menos dos de las tres canciones, pero igual manteniendo ese Arctic.

1. My Propeller
2. Joining the Dots
3. The Afternoon's Hat
4. Don't Forget Whose Legs You're On

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Transference

Spoon es una banda que sabe exactamente cómo hacer estructuras instrumentales alejadas de lo típico, con ritmos tarareables inspirados en la tradición folk rock pop norteamericana. Canciones escritas y producidas de manera limpia, arriesgada y creativa. Creo que es una de las últimas bandas que salieron en la segunda mitad de los '90 y que todavía tienen intacta la calidad de los álbumes. Las canciones se completan con unas letras maduras e inteligentes, muy entendibles ya que el cantante Britt Daniel no hace más que hablar con sinceridad de la condición humana.

Los cambios más significativas de Transference con respecto a los discos anteriores recaen en que es un disco más experimental, con un poco más de rock y que deja un poco a un lado las canciones felices y ritmos poperos, un álbum más personal. Pero a la vez, es un álbum de Spoon, suena a Spoon, y las canciones tienen ese algo que te hace poder escucharlas treinta veces. Canciones como "I Saw the Light" y "Who Makes Money" exploran facetas más instrumentales y ritmos repetitivos; mientras que "Written in Reverse" y "Is Love Forever?" rescatan el sonido más viejo de otros discos.

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Starfucker

La primera vez que lo encontré, lo escuché una semana sin parar hace ya varios meses y no sé por qué tarde tanto en meterlo acá. Pop con unos aires electronicoides: música feliz, redondita y sin pretensiones. Sin preocuparse por marcar nuevas tendencias, es un disco muy livianito, lo metes en el pendrive y te flota. Te das cuenta que les gustan esos sintetizadores mezclados con un poco de música indie y órganos voladores.

Es un documento pop del 2008, llenó de instrumentos dirigidos por una sola persona en el estudio más chico y apretado de Portland. Está lleno de repeticiones básicas todo mezclado para hacer algo más expansivo de lo que uno esperaba. Las letras no son profundas, sin riesgos por volverse una revelación ni nada parecido. Un álbum redondo y no cuadrado.

El álbum debut es un mix de los demos del cantante Josh Hodges más un par de grabaciones a último momento de los demás integrantes de la banda y de la compañía discográfica, lo que ayuda a explicar porque es menos ruidoso que la energía de los recitales de la banda.

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Skeletal Lamping

of Montreal puede llegar a ser una banda que está desde el ’97, pero aun así pueden sacar un álbum con un sonido más que moderno y psicodélico. Skeletal Lamping juega con lo imprevisible mientras te mezcla un popelectrónico con una psicodelia en dosis melódicas. Si agarras los últimos tres discos del grupo, los metes en una licuadora con 100 películas porno quedaría algo como Skeletal Lamping.

Si bien puede ser que no se hayan superado, está a la altura de sus mejores canciones, te va a decepcionar, divertir, sorprender, enganchar y confundir. No es un disco fácil: está muy trabajado, nada convencional, reflejo de una banda nada convencional en todo lo que hace, que la convierte en un elemento difícil de calificar. Con efectos funky, pop, progresivos y psicodélicos es uno de los mejores álbumes del 2008.

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A Onda Mortal / Uma Tarde com PJ

Con la peor calidad, en el buen sentido de la palabra lo-fi, los brasileros CSS llegaron a tomar un papel culto en el mundo indie sudamericano de la noche a la mañana. Mientras este EP tiene varios covers de los principios de la banda, cuando recién eran famosos en internet o en Sao Paulo, tienen las letras y riffs pegadizos que los hicieron sonar a nivel mundial. Combinan riffs de synths revivals y una dirección dance pero combinada con un post punk brasilero. Uno de los discos más divertidos que escuche con tantos géneros distintos mezclados, y siendo lo primero que escuche de la banda, puedo decir que tiene mis canciones favoritas de los brasileros.

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While the City Sleeps, We Rule the Streets

Cobra Starship empezó como proyecto del ex-Midtown, Gabriel Saporta, combinando indie punk dance y un poco de "emo" también. El álbum debut mostraba por momentos ese enganche comercial sin ser ni un poco conocidos, y mostrando unos ritmos y guitarras más punk alternativas pero siempre manteniendo la estructura y la intención dance desde el principio. Saporta arrancó con "Snakes on a Plane", la canción que le hace tributo a la película ya que estuvo en el soundtrack. Grabada con otros cantantes de la escena Ramen, se hiso el punto más comercial del disco. Después de tener la atención del público sacó el cover de Gwen Stefani "Hollaback Boy".

Recién cuando Gabe consiguió la ayuda del guitarrista de Ivy League, Ryland Blackinton y el bajista Alex Suarez fue cuando empezaron a grabar el inteligente pop-punk a partir de guitarras distorsionadas, letras hipsteras, y la voz pegadiza de Saporta. Mientras canciones como "Pop Punk is Sooooo '05" y "The Church of Hot Addiction" estaban hechas como burla, otras como "You Can't Be Missed If You Never Go Away" o "The Kids are All Fucked Up" con una melodía muy electro-pop, demostraban por capas el talento al componer abajo de toda esa ironía.

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Congratulations

Después de sacar uno de los mejores álbumes del 2007, las expectativas con respecto al nuevo disco de MGMT eran gigantes. Arriba de todo esto iba la decisión del grupo de no sacar ningun single, para que Congratulations sea visto como una obra completa y no como un trabajo con un par de canciones que sobresalen. Fue por eso que capaz me esperaba un disco más abstracto y muy experimental pero resultó ser todo lo contrario.

Es un trabajo que confirma la capacidad creativa y musical de la banda, siendo en mi opinión un disco mucho más redondo que el anterior, sin encontrar un "Kids" ni un "Time to Pretend", pero si varias canciones hiteras que igualmente hacen funcionar al álbum como un conjunto. El sonido es mucho más amigable pero aún así la psicodelia electrónica está presente en su sonido, desde la excelente "It's Working", pasando por "Siberian Breaks" de 12 minutos de largo, y terminando en "Congratulations": el disco no puede ni empezar ni terminar mejor.

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Working

Se podría decir que el pop rock / pop punk actualmente está dividido en dos partes. Por un lado están las bandas que no se cansan de hacer lo mismo y es imposible que lleguen a reinventar el género o traer algo nuevo a la escena. No son capaces de crear o inventar algo nuevo pero están a la altura de sacar un par de singles de verano. Por otro lado están las bandas que hacen rock del bueno como Brand New, Say Anything, que no tienen miedo de sorprender con cada nuevo álbum ni de ir a lo más profundo del género. Acres of Lions cae exactamente en esa sección, en mi opinión, agarrando todo lo que sea folk punk pop rock y todo lo que quieras para hacer buenas canciones que siguen siendo pegadizas pero todavía no llegar al éxito del mainstream.

Agarran elementos de bandas como Hot Water Music, Alkaline Trio, Weakerthans y les agregan más cosas para ir creando su propio sonido. Por el momento parece que están más preocupados en hacer estribillos pegadizos, pero Acres of Lions tiene mucho potencial y estoy seguro que pueden romper más límites en lo que sea que estén trabajando para el 2010.

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Of the Blue Colour of the Sky

El disco es buenísimo. Y es que los de OK Go mejoraron bastante para su tercer disco. Manejan un poprock fresco con algunos toques de electrónica muy bien administrados, y tienen cierto aire funky, que les queda perfecto. Suenan por momentos a un Prince rejuvenecido 20 años y con menos clase, pero un poco más alocado. Al mismo tiempo se ponen más serios que en cualquier cosa que hayan trabajado, a base de composiciones muy estudiadas que llegan mucho más profundo.

Dejando de lado los golpes y quilombos de bajos, la banda presenta un disco que funciona como unidad, tiene sentido como conjunto. Se trabajo con un principio, un nudo central y un desenlace, cada uno con sus respectivos tiempo bien manejados a lo OK Go: Pixies, The Cars, T. Rex, Prince, The Zombies y Fugazi.

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Coming to Terms

Coming to Terms es una mezcla entre teclados new wave y himnos rockeros influenciados por The Killers, Keane o Snow Patrol. No tiene nada extremadamente nuevo pero por lo menos parece estar direccionado sólidamente. Con el tiempo y la fama que ganaron de cada singles pegadizo tendrían que buscar su comfort artístico para el próximo trabajo.

Carecen de personalidad al ser parte del grupo de bandas fanáticas a The Strokes, buscando sonar parecidas. Las vocales del Chad Wolf son claras y fácil de entender, cualidades muy importantes al momento de hacer el álbum un poco más interesante. Es él el instrumento más poderoso e importante durante cada canción. Es rock con pocas calorías.

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Happiness

Si alguien me preguntaba en el 2007, después de que Johnny Craig se había ido de Dance Gavin Dance, si iban a ser capaces de hacer un álbum pasable sin la ayuda del cantante, la respuesta iba a ser que no. Obvio que había un par de elementos en la música que los distinguía de las bandas contemporáneas del género, pero los gritos y letras de Craig eran lo único que salvaba a la banda de ser completamente aburrida e igual a cualquier otra cosa que haya escuchado. Al parecer, la banda contó con la ayuda del nuevo cantante Kurt Travis, no sacaron un disco pasable nada más, sino que también se re inventaron así mismos y rompieron todas las desilusiones.

La voz de Travis es casi comparable con la del cantante anterior, la música y las composiciones pasaron por todo un proceso de renovación, y la banda en sí suena mucho más concentrada. Combinan todo lo que se puede llegar a encontrar en el género del posthardcore y lo mezclan con nuevas influencias que pueden llegar a ser hasta divertidas, novedosas y muy faciles de escuchar, superando los gritos.

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Love

Ya se que Angels & Airwaves puede no ser una de las mejores bandas de su escena y menos del mundo, y por varias razones mucha gente se esperaba un trabajo al mismo nivel que sus dos álbumes anteriores o peor. Y entre el regreso de blink-182 y el pesimismo de siempre acerca de el álbum Love y la pelicula, no se sabía qué esperar del cantante Tom Delonge.

El resultado es un álbum excelente que hiso todo lo contrario que desepcionarme, incluso si fue usando el mismo sonido y elemento estético que acompaña a la banda desde el principio. Capaz es una primera reacción a las estrategias de Delonge para crear momentos emocionantes en cada puta canción. Hay momentos que pueden llegar a ser peores que otros pero cuando te das cuenta que Angels & Airwaves hicieron un tremendo trabajo y esfuerzo ya tenes la piel de gallina.

Personalmente esperaba que sea el álbum más ambicioso de su carrera lleno de conceptualidades y todo lo que quieras, y tiene toda la conceptualidad de la pelicula pero de alguna manera siento que por fin hicieron algo más parecido a un rock album que lo que habían llegado a hacer antes.

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Santi

A pesar de que son una banda de la escena de Ramen, The Academy Is... es una banda que le tenía toda la fe cuando sacaron Santi, un disco lleno de ambición y las mejores letras y riffs. Tienen unas influencias muy gastadas del pop rock de los '80, hasta que por momentos se meten en el pop rock contemporáneo y dejan de ser interesantes. Las letras son un poco menos elaboradas que los trabajos anteriores de la banda, pero es excelente porque le da como un poco más de improvisación a la voz de William Beckett.

Aparte de esto, hay muchas canciones que sacan elementos de singles actuales de bandas más grandes, como The Killers y Butch Walker. Es un gran paso después de Almost Here, el disco anterior, y los hiso resaltar de la sombra de bandas como Fall Out Boy y My Chemical Romance, y si no hubiera sido por el más pop álbum que le siguió a este, Fast Times at Barrington High, estaría más que seguro que la banda se hubiera despegado de toda la escena y optado por un lado más alternativo o hasta indie.

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Sweet and Tender Hooligan

Sweet and Tender Hooligan fue el último single que sacó la banda británica The Smiths. Salió el 23 de mayo del 95 para promocionar el compilado Singles. La letra describe la sentencia de un hooligan, con Morrisey viendo todo sarcasticamente desde el punto de vista del criminal: "and he'll never ever do it again, of course he won't, not until the next time".

1. Sweet and Tender Hooligan
2. I Keep Mine Hidden
3. Work Is a Four-Letter Word
4. What's the World? (live)

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4:13 Dream

Sinceramente, las primeras veces que lo escuchaba no lo podía aguantar. Una decepción sobre producida con un exceso de efectos, sin hablar de la forma de cantar de Robert Smith, tan excesiva y exagerada en cada una de las canciones. Lo peor es que las críticas decían básicamente lo mismo: un conjunto muy por debajo de todas las expectativas. Pasaron casi 30 años desde que la banda llegó a lo más alto, un tiempo en el que la banda se dedicó a alternar sus propias fórmulas, retomando el sonido de sus inicios.

Este disco deja claro que el talento de Robert Smith sigue intacto como siempre, y que varias de las nuevas canciones se van a convertir en clásicos del grupo, aunque se extrañe la coherencia en cada una de las canciones, más que nada. Los mejores años ya quedaron atrás, pero un nuevo álbum de The Cure siempre garantiza una escuchada y momentos para adentrarse al melancólico legado de la banda.

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William, It Was Really Nothing

William, It Was Really Nothing es un single de la banda británica The Smiths. La letra crítica la idea del matrimonio y que las personas casadas no tienen vida. Se cree que la letra la escribió Morrisey acerca de su amistad con Billy Mackenzie, el cantante de Associates.

1. William, It Was Really Nothing.
2. How Soon Is Now?
3. Please, Please, Please Let Me Get What I Want

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Astro Blood

Es raro escuchar un album por primera vez y pensar "estos van a llegar lejos". Surfer Blood parece haberse tomado todas las notas en componer un sonido viejo exacto para ser esas bandas que parecen que van a llegar lejos. La voz, de John Paul Pitts tiene rastros de Jim James (My Morning Jacket) en los falsettos y se resalta entre la música del quinteto de Florida.

Experimentan en el lo-fi hazy rock y demuestran lo mejor que el género tiene ara ofrecer. La banda tambien sigue el camino de Vampire Weekend incorporando partes digeribles de musica de todo el mundo. En otras partes hay influencias de My Morning Jacket/Band of Horses básicamente en las guitarras.

Astro Coast es un exitoso album debut que tiene todo lo que tiene que tener una banda que esta a punto de ser escuchada por mucha gente. Como lo hicieron Cymbals Eat Guitar, la banda toma deliberadamente porciones e influencias y agrega su propia dinámica para hacer un album fuerte. Mucha gente va a escuchar cosas distintas cuando escuchen Astro Coast, pero es seguro decir que mucha gente le va a gustar lo que escucha.

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Favourite Worst Nightmare

Un poco más pesado que el Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, Favourite Worst Nightmare se escapa de los hits más evidentes y ofrecen un disco más reposado, contenido y maduro.

Es un disco que crece con un poco de todo y crea adicción. Lo que parecen ser temas de rellenos terminan cobrando sentido y siendo emotivos. Lo que antes parecía un puente ahora es un estribillo, y lo que antes pasaba por alto ahora es esencial. Los Arctic Monkeys demuestran mucho a nivel personal, en lo que respecta a calidad musical. Aunque no transgrede nada ni rompe ningún formato establecido, marca una generación lejos de la sobreevaluación mediática.

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Take 1

El nuevo material de la banda argentina Kaiser Kellers se despegó del Strokes-cliché de varias bandas de la misma escena para reinventarse en algo más seventoso. Empiezan con un claro tributo a The Beatles en la canción 'Take 1', y aunque yo pensaba que el álbum iban a ser 10 canciones iguales a esta, me sorprendió lo lejos que llegaron para empezar a definir su estilo y sonido como banda.

De vez en cuando vuelven a citar a los fav4, pero en un par de canciones nada más como 'Blue Shoes' (demasiado Twist and Shout), o 'I Fell from My Bed' que viene después de la nueva versión de la canción que define el sonido de Rodo, 'Hey Boy'. Las letras son mucho más inteligentes que el EP anterior en el que jugaban más con lo básico.

Otra cosa que me llamó la atención son las voces extras que le agregaron a las canciones, cosa que no se había hecho tanto en el trabajo anterior y que obviamente les da un estilo más Beatlesco y seventoso y todo lo que quieran. Puede ser que lleguen a ser los nuevos Draytones si siguen la misma movida y estrategia que ellos.

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My Maudlin Career

My Maudlin Career, el último trabajo de los escoceses Camera Obscura, empieza exactamente como su anterior trabajo, Let's Get Out of this Country, con una de las mejores canciones del completo álbum. Si no habian demostrado que se habían despegado completamente de las comparaciones con bandas como Belle & Sebastian, no cabe duda que lo lograron con cada canción de este nuevo disco.

Encontramos 11 temas de tinte predominantemente alegre, elegante, atemporal, pero con estilo propio, reconocible y sin perder su característica personalidad. Se combinan estos pasajes con otros más lentos y emocionantes, con impresionantes arreglos de cuerda, y otras veces, tiran más a una especie pop-folk más ingenuo, más jovial. Siempre buscando esa simbiosis entro lo más elaborado y lo más sencillo, colocando las canciones en el orden perfecto.

Obvio hay influencias, pero no es nada malo y no se trata de imitar a nadie; por eso pienso que no falta mucho para que Camera Obscura se vuelva influencia de varias bandas del género, intentando llegar a la altura. Capaz no tenga tanta magia como su anterior, pero es perfecto para que el amor por el grupo escocés perdure.

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Bitte Orca

El octavo trabajo de los Dirty Projectors fue encumbrado por la crítica especializada de medio mundo como uno de los discos clave del 2009. Bitte Orca es un álbum excelente, completo, sólido y eléctrico que bien merece estos elogios. La banda americana de rock experimental, al igual que Animal Collective, mezclan todo tipo de géneros, desde Beach Boys, Radiohead, Wilco, Black Sabbath, Neil Young, Beyoncé, Jay-Z o Peter Gabriel. El resultado, si bien no logran un sonido propio a través de todas sus influencias, es un experimento musical de primer orden.

Llama la atención, por otra parte, lo orgánico que suena todo el álbum. Son los instrumentos convencionales los que orquestan todo este ejercicio, relegando los elementos electrónicos a un segundo lugar. Siempre es una fortuna encontrarse con una banda que no suena como ninguna otra. Pero lo es más cuando el producto final está tan lleno de minúsculos detalles, de segundos memorables, como lo está Bitte Orca.

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The Fieros

The Fieros es una banda de New York que ya desde hace 3 años que vienen tocando y recibiendo buenas críticas por su sonido que hace alusión a bandas como The Beach Boys pero vitaminados y acelerados. Es el primer EP, y personalmente suena como un Jet pero… no, un Jet sin diferencias. Son seis canciones medio poppys que traen el verano en puro verano.

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#3

Suburban Kids with Biblical Names existe para demostrar lo ridiculamente bueno, pegadizo, y divertido del rock Sueco. SKBN tienen un poco de Lekman, Postal Service, Pavement, y hasta Island. Juegan con yuxtaposiciones, una constable linea de guitarras, y letras desconcertantes (I know it will happen/the sun will go murder the snow). La musica crea un ambiente de felicidad y diversión que ni te das cuenta cuando los estribillos de canciones como Peter's Dream son literalmente puro blah blah blah blah.

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Contra

Con un sonido muy reconocible a lo Vampire Weekend, pero también con otros nuevos, la banda de New York intenta no usar el mismo catálogo de trucos de su álbum debut: instrumentos diferentes, la influencia afro-pop. Y aunque en el fondo no parecen haber cambiado tanto la fórmula, nuevos y precisos sonidos electrónicos ocuparon perfectamente el espacio vacio que en canciones como 'Taxi Cab' o 'Giving Up the Sun' justifican la incorporación de nuevos integrantes al equipo.

De una banda tan simple no se esperaba algo novedoso y radical para su nuevo disco. Contra está lejos de ser una reinvención del género pero la frescura de sus nuevas canciones y más de un hit radial, hacen treinta y seis minutos de música suficiente tiempo como para no saturar ni aburrir.

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Veckatimest

El último álbum de Grizzly Bear alcanza el equilibrio perfecto entre el folkpop psicodélico lleno de matices y profundidad, y la grandilocuencia. Igualmente, canciones como “All We Ask”, “Dory” o “I Live With You” parecen la muestra palpable de que el grupo estadounidense acaba de grabar su propio Yoshimi Battles the Pink Robots particular: los estertores de un proyecto a punto de quedarse sin nada que contar. Porque actualmente parece que insertar secciones de cuerda, un coro o quinientos africanos tocando el tam-tam ya no sorprende a nadie, y tampoco asegura nada.

Eso sí, cuando Grizzly Bear consigue dar con la mezcla exacta, el resultado es monumental. Son canciones como “Two Weeks”, “Ready, Able”, o “Fine for Now” las que salvan el álbum rescatandose como los clásicos. No pude no disfrutar Veckatimest tanto como esperaba por veces, y notar a Grizzly Bear simplemente reafirmándose en su fórmula.

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The BBC Sessions

The BBC Sessions es el último álbum que sacó Belle & Sebastian después de sacar su último disco de estudio, The Life Pursuit. Es una colección selecta de grabaciones para la BBC que va de 1996 a 2001, con rarezas como una dinámica revisión de "Lazy Line Painter Jane", una versión que personalmente me parece veces mejor que la original. La selección de canciones es tan buena que el álbum funciona por momentos como un grandes éxitos: una buena introducción a la banda y su melódico mundo de amor no correspondido.

Es un álbum para los que conocen Belle & Sebastian más por su últimos trabajos y darles la oportunidad de enamorarse de If You're Feeling Sinister y Tigermilk que fue la 'época dorada' cuando se negaban a sur una banda convencional, tocaban en los lugares más raros, Murdoch se negaba a dar entrevistas.

En su edición deluxe limitada, el álbum tiene un disco extra con un recital grabado en Belfast en 2001, que tiene algunas canciones que es imposible no tener que escucharlas por curiosidad como el cover de The Beatles "Here Comes the Sun", de The Velvet Underground "I'm Waiting for My Man", y el resto de los clásicos.

get the bbc sessions
get the deluxe edition
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Fold Your Hands Child You Walk Like a Peasant

A diferencia de los elogios en los otros álbumes de Belle & Sebastian, con este disco nadie se pone de acuerdo. Muchos dicen que es el peor, otros que es el mejor, un despropósito, una obra de madurez, el engendro del cada vez mayor ego de Isobel Campbell. Lo que está claro es que el resto del grupo tenia también muchas más cosas que decir, y quizás por eso sea el más coral: el peso de las voces no recae tan sólo en Stuart Murdoch.

En mi opinión, Fold Your Hands Child vuelve a ser un acierto que se abre con una canción que resume el resto del disco, y contiene algunos cambios estilísticos, como la inclusión de una sección orgánica de cuerdas, que no impidieron que se conviertiera en uno de los discos favoritos de los fans. Fue despues de este álbum que Isobell Campell dejó la banda para irse como solista.

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The Boy with the Arab Strap

The Boy with the Arab Strap es el tercer álbum en dos años de la banda escocesa Belle & Sebastian. Es considerado, junto con If You're Feeling Sinister, como uno de los mejores trabajos de la banda, y los clasificó como grupo de culto con seguidores en todo el mundo. Las canciones son suaves incluso cuando las letras son oscuras y morbidas. Construyeron un sonido delicado con guitarras acusticas, aplausos, xilófonos, flautas, órganos y trompetas que flotan en la lentitud del álbum.

Con influencias del folk pop de los '60 de un lado, y de Velvet Underground por el otro, The Boy with the Arab Strap no es un esfuerzo subterrenal pero tiene ese no-se-que que hace cada vez más perfecta la colección dicográfica de la banda. Es el tipo de álbum comodo de escuchar apenas lo pones, adictivo al toque, respondiendo a la pregunta de por qué la banda es tan admirada.

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Tigermilk

Tigermilk, el álbum debut de Belle & Sebastian se publicó en 1996 en una serie limitada de 1000 vinilos, y el masivo boca-boca para la recien nacida banda provocó un contrato al toque con Jeepster Records, una independiente con mayor poder. No lograron el éxito de minorías inmediato hasta sacar If You're Feeling Sinister el mismo año. Para muchos, Tigermilk tiene la mejor colección de canciones de Stuart Murdoch, pero lo mismo se dice de los álbumes posteriores.

The State That I Am In es la primera canción del disco, y tiene todo lo que será Belle & Sebastian: crisis adolescente, melancolía, soledad, discriminación y la resignación de la clase obrera. El resto de canciones como I Could be Dreaming pasan de ser historias de sueños adolescentes a historias sobre el maltrato aunque basicamente es la misma fórmula.

Perfección anclada en el pop folk de los '60, el que va de Bob Dylan a Nick Drake más unos arreglos del indie británico de los '80 y el humor de Stuart Murdoch.

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Some Time in New York City

Some Time in New York City es el disco más desastroso de John Lennon. Cada canción parece escrita por los músicos que tocan al final de cada Saturday Night Live. Y no es malo por momentos, pero dentro de todo se vuelve muy repetitivo; y las canciones que se diferencian de estos blues son peores todavia. Hay cada canción solista de Yoko que demasiado mala ('Sisters, O Sisters', 'Born in a Prison', pero más que nada 'Sisters, O Sisters' es imposible de escuchar).

Varios críticos consideraron al álbum como radical desde un punto de vista político, pero en sí fue una decepción después del éxito de Imagine, y el modelo de álbum fijado previamente a partir del John Lennon/Plastic Ono Band. Puede llegar a tener un par de singles como 'New York City', 'Woman is the Nigger of the World' o hasta 'Sunday Bloody Sunday' en las partes que canta Lennon nada más; pero igualmente es un disco que llegué a odiar.

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God Help the Girl

God Help the Girl es el musical para cine escrito por Stuart Murdoch sale el año que viene. Agarró este disco como un escape para salir de la vorágine glam y soul en la que está metida su banda, Belle & Sebastian, para asomarse al pop melancólico con el que dieron los primeros pasos, cuando Isobel Campbell todavia cantaba en If You're Feeling Sinister. Eligieron a Catherin Ireton para que lleve la voz cantante, y es ella la lleva el proyecto como más que una simple banda sonora.

Sin embargo, de principio a fin, se siente como un álbum de Belle & Sebastian. Hiperorquestado y con dominantes voces femeninas que invitan inmediatas comparaciones con el último trabajo de Camera Obscura. Puede ser que por momentos deje mucho que desear aunque te digo que prefiero mucho más esta version de Funny Little Frog que la de la banda.

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No Es

Lo primero que llama la atención al escuchar a Guillermo Alonso es la calidez de su voz, que pega con la ternura de sus letras de actitud dulzona. Nada más con su guitarra criolla puede crear paisajes enteros, descriptos en detalle por un rasgueo o un susurro. Muchas de las letras de Coiffeur hablan de viajes, haciendo de la simpleza y el minimalismo su lenguaje.

Su voz y su guitarra: no se necesita más. Y sin embargo, cuando incorpora otros instrumentos muy de fondo, cada intervención resulta precisa, deliberada: piano, flauta traversa, violín, teclado, nunca están para rellenar nada más, imprimen a cada canción una distinción.

La crítica ya se refiere a él como la promesa del folk-pop argentino por su tono barrial y optimista, además de esa onda de tranquilidad que transmite cuando pronuncia, hace que uno salga de escuchar Coiffeur de buen humor. No Es superó ampliamente las expectativas post debut y fue el disco del año para el indiefolk argentino: tuvo el valor de repeteriste sin ser igual.

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Están Despedidos

Vuelve Victoria Mil con un disco que representa la intención de cambiar su sonido, que aunque fracasa con su objetivo, consigue estar entre lo mejor de su discografía. Igual, más que un disco de cambio radical es un LP de síntesis del sonido limpio de lo que logró la banda en los últimos años, con la mística y la onda de los primeros.

La mayoría de las canciones entran en la clasificación de mid tempo, agarrando bandas como Sumo o el Otro Yo y mezclandolas con toques electrónicos que por momentos me hacen acordar al Comfort y Música para Volar de Soda Stereo. No sacaron un disco de 10 canciones de pop redondas pero es porque es mucho mejor que eso.

Hasta la letra de las canciones hablan puramente del cambio, y ni voy a poner ejemplos porque están literalmente en cada canción. Es apropiado, porque parece un disco en que los Victoria Mil se abrazan a su destino: a su eterna condición de underdogs, al hecho de que nunca van a ser lo suficientemente "normales" para tener éxito en la sociedad. La obsesión, desde el mismo título, al fracaso, la sensación de que no hay ningún tipo de expectativas que cumplir, y eso les da la libertad de hacer cualquier cosa, de tocar como ellos quieran.

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Quema

Quema, el nuevo trabajo de la banda argentina Bicicletas, es como dice el baterista Diano, es una autopista galáctica cargada de sintetizadores. Y la verdad es que líricamente, el álbum tiene paisajes tan variados que van desde momento oscuros y otros más cálidos, de explosiones melancólicas hasta muchas veces todo junto en una misma canción.

Canciones como “11 y 20” o “Cara de Rojo” tienen todo para ser un hit: son pegadizas, alegres, fáciles de escuchar y con un buen estribillo. El sonido de te deja percibir la influencia de influencias de bandas de rock moderno como The Killers o Franz Ferdinand. Hay pasajes más oscuros, al mejor estilo Joy Division, como “Pica Pica” o “Quema” que más que nada se tratan de pequeños riffs repetitivos que se cicatrizan en la cabeza de a poco. Igualmente es común que aunque seas un fanatico de Franz Ferdinand y Joy Division, pueda ser que no te guste tanto Bicicletas.

Se los escucha más cargados y más producidos y, a diferencia de sus trabajos anteriores, los sintetizadores no son un detalle sino más bien la textura general de las melodías. Un rock nacional como tendría que ser.

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3.. 6.. 9.. Seconds of Light

3.. 6.. 9 Seconds of Light es el tercer EP de la banda de Glasgow Belle & Sebastian. Aunque no es el mejor EP de ellos, es otra gratificante colección del estilo cínico y romántico de la banda. Las cinco canciones muestran un largo rango de estilos, variando entre la melancolía. Cualquiera de las canciones hubiera quedado perfecta en If You're Feeling Sinister, y teniendo en cuenta que el álbum es considerado el mejor de su carrera, estas canciones son todo menos decepcionantes. Disculpen si hay algunos errores en el audio pero son los únicos .mp3 de los vinilos originales.

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Phrazes for the Young

Ya pasaron casi 4 años desde que The Strokes sacaron su último album First Impressions of Earth, y aunque siguen prometiendo un nuevo disco en camino, habíamos visto trabajos de todos los miembros de la banda menos de uno. El cantante Julian Casablancas es el cuarto en irse como solista con Phrazes of the Young.

Aunque él solo escribió gran parte del trabajo de la banda, el album esta lejos de ser una retrospectiva de los mejores momentos de los Strokes, pero no tan lejos. 11th Dimension (primer single) por ejemplo, se resume en guitar riffs de New Order y un bajo techno mezclado con órganos, y Ludlow St. es un sample de batería y un folk parecido a los primeros trabajos de Beck. Igual, hay canciones como Out of the Blue, que es imposible no imaginarse a Albert Hammond Jr. en cada nota y punteo de guitarra.

Con nada más que ocho canciones, Phrazes of the Young no es un álbum desesperado por ideas, sino su diversidad es lo que lo hace un álbum interesante de escuchar. A pesar de esto, mantiene una estética casi incompleta debido al estilo de grabación y producción de un garage.

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First Impressions of Earth

Calificado por Julian Casablancas como su trabajo más profesional, el úlitmo álbum de The Strokes ganó en accesibilidad, contundencia, arreglos, y en el protagonismo de la voz. Pero de igual forma se convierte en un álbum que paradojicamente despliega ambiciones mainstream y arrebatos de rabia, que pierde la linealidad de sus anteriores entregas y se embarca en el eclecticismo.

Si las críticas describieron a Room on Fire como una continuación de Is This It, First Impressions of Earth quedó como el comienzo hacia una nueva etapa de la banda, para bien o para mal. La base rítmica de Fabrizio Moretti y Nikolai Fraiture es más sólida y variada a la vez, pero es el trabajo de los guitarristas el que más evolucionó: si antes muchas de las canciones se basaban en rasgueos repetitivos, ahora predominan los riffs entrelazados y la densidad de texturas.

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Antidotes

Cada año una nueva banda es alabada como el "the next best indie thing". Este año el título fue de Foals quinteto de dance-punk proveniente de Oxford y a su álbum debut Antidotes. No estoy seguro si Foals llegó a complir las expectativas de ciertos conocedores del género, pero lo que no queda la menor duda es que Antidotes es un muy buen debut y fue uno de los primeros gran discos del 2008. Lograron en un primer disco a lo que muchos musicos les cuesta una carrera entera.

No pudo empezar mejor que con The French Open, que capaz es la canción mas representativa del disco y una de las mejores. Hay más cambios en el primer minuto y medio que en una canción completa de Franz Ferdinand. Después se escuchan canciones más rock que dance como Red Sock Pugle, Olympic Airways y Electric Bloom. La otra mitad del disco es un poco más débil, sin ninguna canción que tenga matices de single de radio, pero no quita que es un disco perfectamente oíble de principio a fin.

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