Total Life Forever

Cuando el quinteto de Oxford sacó Antidotes, el disco debut, prometieron que el segundo disco iba a ser muy diferente. Cumplieron cuando unos meses antes del lanzamiento del disco salió el video de Spanish Sahara. El tema dura casi 7 minutos y carece casi por completo de los ritmos y guitarras math-rock que caracterizaban el primer trabajo.

Una vez escuchado todo el disco entero, se entiende que el nuevo trabajo de la banda de Yannis Philippakis es muy distinto, pero no significa una "ruptura" con el sonido anterior. En Total Life Forever, Foals compila lo mejor del pasado y evolucionan con eso, creando un disco más variado, con momentos para saltar y momentos para escuchar detenidamente.

get it . if you like . listen . buy it

You Could Have It So Much Better

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Free Drugs ;-)

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Wolfgang Amadeus Phoenix: Remix Collection

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Underachievers Please Try Harder

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Show Your Bones

Show Your Bones salió en el 2006, en un miedo de que los Yeah Yeah Yeahs saquen un desastre punk o experimental despues del perfecto Fever to Tell del 2003. La inclusión de acústicas, la manera de cantar más melodiosa de Karen O y unas guitarras igual de distorsionadas demostraron que la banda podía llegar más lejos que con su debut. Es un disco mucho más heterogéneo pero un paso al frente en todo sentido.

Seguro que hubo mucha gente que pensó que este cambio no les favoreció pero siempre pasa lo mismo, y personalmente me parece que fue un cambio necesario si querían dejar de ser el hype repetitivo.

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Escape del Planeta Viviente

Escape del Planeta Viviente es sorprendentemente ya el tercer disco de la banda argentina Mataplantas, donde pierden el rastro de sus influencias directas y empiezan a dar cuenta de un lenguaje propio, impulsado por el pop de guitarras, el delirio psicodélico y un deseo irrefrenable de emancipación.

La música de Mataplantas no es simple, pero definitivamente es atractiva, demostrando en cada canción sonidos más rotundos y concretos. Ritmos y juegos de guitarras, sonidos de todos colores que generan climas de alta diversión.

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You Can't Take It With You

Les tardó más de dos años a As Tall as Lions en grabar You Can't Take It With You: despúes varios problemas, rumores de separación, tres productores distintos, y 13 canciones lentas que rozan el límite indie a lo Arcade Fire pero mejores: valió la pena la espera. Después de todo, la banda de Long Island logró hacer el mejor trabajo en toda su carrera.

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Fantasy Black Channel

Late of the Pier es un cuarteto que apenas pasan los 20 años, provenientes de Castle Donington, Inglaterra. Se ganaron el título de la respuesta británica a la psicodelia neoyorkina de MGMT. Personalmente creo que Late of the Pier son el tipo de músicos que no tienen problema en escuchar a Frank Zappa después de Franz Ferdinand, para luego poner The Beatles seguido de Daft Punk: el éxito de saber mezclar todo para asimilarlo a través de pistas bailables bastante bizarras, que lograron incitar al dancing con un mínimo esfuerzo.

Es imposible no animarse al ritmo de bajos sintetizados mientras una guitarra te escupe un heavy metal más turbio. Trashpop con letras sin sentido y se desgarran a través de la garganta polifacética de Dust. Temas altamente bailables con ideas provenientes de la invasión británica del ’60. Para poner un ejemplo, el tema "The Bears are Coming", considerado el single que los lanzó a la fama, empieza con una percusión de sonido africano para darle lugar a un sintetizador que por momentos imita un sonido 8-bit bien a lo nintendo. Todo entra en sus canciones y en el disco.

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I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love

Si estás buscando un poco de partymusic o un poptweet no lo vas a encontrar en el debut de My Chemical Romance, I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love. Las letras están en una oscuridad profunda con letras como "the amount of pills I'm taking counteracts the booze I'm drinking" o "I think I'll love to die alone" son tipicas de la escena de bandas en New Jersey por el 2004.

Pero al igual que muchas bandas del pop rock alternativo y punk pop que salieron del 2000, My Chemical Romance sabe cómo ser exuberante y introspectivo al mismo tiempo, musicalmente tienden a ser más agresivos y hardrocking, pero en las letras es todo sobre introspección. Y aunque la combinación puede llegar a no ser única, desde Nirvana pasando por blink-182 hasta Creed, desde el postgrunge hasta el emo, muchas bandas alternativas demostraron puede ser agresiva y introspectiva al mismo tiempo.

Siendo My Chemical Romance una de mis bandas favoritas de toda la vida, no puedo dejar de ser subjetivo diciendo que son excelentes en lo que hacen, y que su álbum debut es un buen esfuerzo y que maneja muchas emociones negativas de una manera adictiva. Algunos pueden llegar a encontrar las letras muy depresivas pero después de todo el rock no está obligado a sonreír las 24 horas del día. Tristeza, pesimismo, furia y la desilusión son aéreas validas en la expresión de un excelente álbum de rock.

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The Used

El álbum debut de The Used es el debut que muchas otras bandas hubieran querido tener. No puede ser clasificado en un género específico, pero tiene punk, punk pop, hardcore, post hardcore, y probablemente un poco más de screamo. Tiene esos cambios de tranquilos a heavy, que se aplica a las voces y a la música. En una sola canción, la voz de Bert puede cambiar de estar gritando, a cantar en limpio y la música cambia de guitarras acústicas a riffs punks y un ataque de batería.

Lo que hubiera resultado en un álbum desprolijo, The Used escribe cada canción bien construida, las voces y la música se complementan entre sí perfectamente, acorde con las letras y las emociones. Pegan cada nota, gritando cuando hay que gritar y afinando en baladas como On My Own. Y en la misma manera en que el álbum cambia el tempo, también cambia la letra y el ambiente. La primera parte sigue una línea de frustración y angustia, con Poetic Tragedy (donde se encuentra al borde del suicidio). Después de eso, el disco toma un camino más feliz, llegando al final.

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Smile Kid

Smile Kid sigue la fórmula exitosa para un pop punk pegadizo. We the Kings no pertenecen al tipo de pop punk profundo - son Say Anything o Brand New, y no están para crear y sacar algo original, pero están haciendo lo mismo que hicieron con el álbum anterior We the Kings, un álbum de verano. Las letras son sobre exactamente lo que te esperas que sean (chicas, verano, creciendo).

Igualmente creo que el álbum anterior, aunque no fue muy importante, fue un rock fuerte, pero me decepcionaron con la participación de Demi Lovato en We'll Be a Dream. Puede ser que experimenten un poco con 'Little Things', al borde del reggae en los versos pero se conecta con el típico estribillo idéntico al resto del álbum. Smile Kid es muy fácil de escuchar con un sonido limpio que capaz por momentos te puede traer la piel de gallina sin que te des cuenta, pero después de todo es un poco más de lo mismo.

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Screamworks: Love in Theory and Practice

La banda de love metal vuelve con un nuevo álbum que, como siempre, va a ser recibido de forma contrariada por los fanáticos. Por momentos veo a Screamworks como si fuera el disco obvio siguiente de Dark Light, en vez de Venus Doom que es el anterior a Screamworks. Y es porque se siente mucho más el control de Valo sobre la banda, más que nunca, volviéndola cada vez más repudiada por los 'metaleros'.

Parece que HIM está apuntando a un público completamente distinto al que se venían ganando con su discografía histórica de riffs pesados. Y aunque no lleguen al otro extremo a lo mtv, son los temas más alternativamente rockeros y homogéneos que habían tocado.

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We Are Here

Apparatjik es el nombre de la super banda británica compuesta por Guy Berryman (Coldplay), Magne Furuholmen (A-ha) Bjerre Jonas (Mew), y el productor Martin Terefe. La banda trata de tener otro sonido aparte del piano pop esperado de parte de cada músico. Y les sale bien, porque su música va más por el rock experimental con arreglos electrónicos y todo eso.

Se parece más a un The Flaming Lips meets Starfucker, y un poco de Mew seguro. No tengo idea del éxito que va a tener ya que el disco y la estética caen en la categoría de strange pop, pero personalmente es un álbum que lo voy a estar escuchando varias veces hasta que se me canse.

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Stills

Stills es el primer Ep que le sigue al debut God Help the Girl, el proyecto con el mismo nombre del cantante Stuart Murdoch. No se puede esperar ningun cambio radical en el sonido ya que el proyecto en sí se basa en mantener la consistencia de ese musical a lo Belle and Sebastian. Murdoch presta su voz para "He's a Loving Kind of Boy", pero más que eso no hay muchas diferencias con las canciones del disco, capaz en que me gustan más.

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Telekinesis!

El álbum debut de Telekinesis puede llegar a ser la prueba que el power pop no está muerto, buenas noticias para los fanáticos del género y también para los del indie rock. Telekinesis es el proyecto de Michael Benjamin Lerner que compuso y tocó casi todos los instrumentos en el álbum. Influenciados por el pop de los '60 y los '70, Lerner y el productor Chris Walla grabaron y mezclaron la mayoría de las canciones en un mismo día, y es este estilo de producción lo que crea el sentimiento de rapidez y urgencia que salen de las canciones.

Rust abre el álbum con un poco de distorsión y guitarras acústicas y una vibra melancólica que luego contrasta con Coast of Carolina. Las melodías de The Beach Boys se escuchan en canciones como Tokyo, mientras que otras como Awkward Kisser suenan como escritas en los '50. Sin reinventar ni revolucionar nada, Telekinesis! es un excelente y recomendable álbum de indie rock y pop.

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Elevator

Viniendo de una banda que sorprendentemente nació del hardcore, Elevator es un éxito bastante raro. Con influencias de bandas de los ’70 y ’80, Hot Hot Heat mezcla melodías formidables, una agresión postpunk, pasos del new wave, y una sensibilidad contemporánea del indie rock en un solo álbum irresistible. Elevator es el debut con una discográfica importante pero ofrece una evolución en los clásicos de sus esfuerzos anteriores Make Up the Breakdown y el Knock Knock Knock EP. Las primeras dos canciones después de la introducción, (“Running Out of Time” y “Goodnight Goodnight”) prácticamente te hacen caer de la silla con esas vueltas pegadizas y una energía exuberante.

Con casi cada canción durando menos de los tres minutos, todas balancean la vitalidad punk pop con el espíritu indie de fondo. No creo que se hayan vendido a lo comercial, por lo menos no con éste álbum, la clave para la ecuación son las composiciones y cualquiera que haya escuchado el primer single “Goodnight Goodnight” o “Middle of Nowhere”. Por momentos lo dejo olvidado pero siempre que lo vuelvo a escuchar no me deja de sorprender, igualmente le tienen que dar más de una sola oportunidad para entenderlo completamente.

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Them Crooked Vultures

Them Crooked Vultures es el supergroup formado por Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters, Queens of the Stone Age) en la batería, Josh Homme (Queens of the Stone Age, Eagles of Death Metal) en la guitarra y voz, y John Paul Jones (Led Zeppelin) en el bajo y el teclado. Todo la banda y el álbum está demasiado liderado por Homme no solo porque se ocupa de todas las voces (con coros de Dave en Mind Eraser, No Chaser), sino que también por el sonido Hard Rock plagiado de Queens of the Stone Age.

Por de los tres integrantes leyendas es inevitable tener ciertas expectaciones acerca del disco, que juegan en contra si pensas que el álbum debut este supergroup sea un excelente álbum de los Foo Fighters, o Led Zeppelin. Por eso hay que tener una mente y unos oídos abiertos en el momento de escuchar cada canción y cada riff pegadizo.

A pesar de todo, se resume todo en un buen conjunto de 13 canciones largas que quedaría bien siempre y cuando lo pongas al lado de tus álbumes favoritos de Queens of the Stone Age.

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Fever to Tell

En 2003, la banda de Nueva York, Yeah Yeah Yeahs saca Fever to Tell para demostrar un sonido fresca donde se destaca especialmente la alocada voz gritona de la surcoreana Karen O, que es respaldada por una bateria potente y unas guitarras que compaginan los ritmos bailables con el poder de la distorsión más post punk. Con una infinidad de referencias e influencias que están a la vista de todos, Fever to Tell suena fresco y contemporáneo, haciendo ver que en este caso llegó antes la música que toda la prensa. Los Yeah Yeah Yeahs justifican en buena parte su fama prematura, demostrando mas tarde que no pueden vivir sin ella.

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Raise the Dead

Phantom Planet es una banda que más que nada es conocida por su ex-baterista y porque una parte de su canción California fue usada para la serie the OC. Es una lástima considerando que la banda evolucionó su sonido con cada álbum desde su debut The Guest (2002).

Y el último álbum que sacaron antes de separarse el año pasado, es un paso gigante para la banda ayudado por una orquesta de instrumentos gigante y variada, desde violines hasta coros de chicos. Te das cuenta que ésta evolución es puramente del cantante Alex Greenwald, desde que grita el nombre del disco en la primera canción hasta la balada acústica con la que termina el disco.

El álbum tiene un montón de variedades, desde canciones pegadizas hasta tranquilas; hace cover de todos los estilos y tempos que existen (sin parecerse a Árbol). No hay nada que le cambiaría, sacaría ni agregaría a este disco, es perfecto tal como está. Lo único que tenes que tener para que te guste el disco es tener buen gusto para la música; lo resto es automático. Es el mejor y último álbum de su carrera por lo que me deja con ganas de más… pero bueno.

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Crying Lightning

Crying Lightning es el primer single que sacaron los Arctic Monkeys para su último disco hasta la fecha, Humbug. No hay mucho que decir nada más que te das cuenta en seguida el tono oscuro de este tema y del disco entero. Lo sacaron antes de editar el álbum y, como siempre, vino con b-sides.

1. Crying Lighting
2. Red Right Hand (Nick Cave and the Bad Seeds Cover)

3. I Haven't Got My Strange

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Wolfmother

El trío australiano se junto con el productor Dave Sardy para crear el sonido de una reivindicación del rock por excelencia: el más puro, directo y salvaje. Wolfmother construyó una máquina del tiempo y se trasladaron a los '70 de Led Zeppelin, The Who, y Black Sabbath, sumado a una tonelada de psicodelia de los '60, revolucionando el panorama musical sin reinventar nada: no inventan el rock pero si hacen recordar sus inicios con trece canciones llenas de riffs compenetrados.

La increíble voz de Andrew Strockdale recuerda lo mejor de Ozzy Osbourne y lo peor de Jack White sin ser estridente de los teclados, las guitarras heavy y la música demoledora. Wolfmother se convirtió en un álbum de cabecera entre los rockeros y en una sorpresa para nostálgicos de la pura esencia del rock, y en un descubrimiento para la nueva generación.

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Where the Wild Things Are

Karen O cantante de la banda art rock de New York Yeah Yeah Yeahs, escribió el soundtrack para la película Where the Wild Things Are. Contó con la colaboración de sus compañeros de banda Brian Chase y Nick Zinner, junto a Imaad Wasif (de The Folk Implosion), Bradford Cox (de Deerhunter), Aaron Hemphill (de Liars), Dean Fertita (de The Dead Weather y Queens of the Stone Age), Oscar Michel (de Gris Gris), Greg Kurstin (de The Bird and the Bee) y Jack Lawrence (de The Raconteurs y The Dead Weather).

Muy simple, pero memorable y sin tergiversar la película, es como siente Karen O el esfuerzo musical de trabajar con todos estos músicos. El álbum está rodeado de inocencia infantil y el lado tierno de Karen O. El disco es mejor de lo que se puede esperar, sin tanto arreglo de jazz como uno se imaginaria por la gente con la que colabora, pero es bueno encontrar espacio para trompetas e instrumentos de viento entre las canciones, con un aspecto cirquezco en la música.

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Franz Ferdinand

Como dice Alex Kapranos, la única intención de la banda es hacer música para que la gente baile, el principal objetivo de una banda pop. Esta idea salió después de notar todas las "bandas aburridas, intelectuales y pretenciosas" de la escena escocesa, y por eso sacaron un disco tan movido y divertido. Es un completo revival, en más de un sentido, de los primeros años '80 en su versión más feliz. Pero a la vez la calidad de sus canciones lo convierte en algo nuevo.

Igualmente, se podría decir que lo que podes escuchar en el álbum debut de Franz Ferdinand es demasiado variado. Hay canciones que se acercan más al funk, como "Tell Her Tonight", temas que no paraban de pasar en las discos de Escocia como "This Fire", pops nuevos como "Cheating You", y canciones más relajadas como 40'. Música para disfrutar basada en unificar el garagerock y el postpunk.

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Lungs

Lungs, considerado uno de los álbumes más destacados e importantes del 2009, tuvo la capacidad de acercarse a las masas a pesar de la arriesgada propuesta que supone sonar como Kate Bush y Bat for Lashes. Sin embargo la voz bipolar de Florence Welch (capáz de pasar del susurro al grito épico), toma elementos que van desde Tori Amoshasta los primeros Animal Collective, pasando por Regina Spektor y otras cantautoras como Fiona Apple, Aimee Mann o Liz Phair.

Las mejores canciones de Lungs, como Kiss with a Fist, son las que arrancan con bastante empuje rockero y actitud punk a lo Karen O, diferenciándolas bastante de la línea del disco que vendría mucho más folk y experimental. Hay otras influencias declaradas como The Smiths y The Velvet Underground (que te juro que no encontre ni una todavía) y nuevas propuestas post-2000 como las de Emily Haines y Little Boots.

La mezcla de sonidos y compilación de diferentes estilos, con marcadas y distintas influencias, hace de Lungs un buen disco pero capaz no muy recomendable.

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Superhéroes

Es probable que la poca gente que conoce Superhéroes los conozca por esos afiches con los cuales anuncian sus fechas (“Veni puto” o “Toca la banda que está a 4500 personas de llenar Obras”) o capaz por otros donde se tomar con humor que siempre los dejen afuera de los festivales (“Igual no queríamos que nos inviten, otro festival que vemos junto a vos”, decían en los alrededores del Pepsi Music). Está claro que saben cómo destacarse con recursos simples que cualquier banda sin el apoyo de una multinacional puede acceder.

¿Y qué hay atrás de este aparato publicitario tan original? Nada más y nada menos que una banda de rock de las pocas que intentan hacer algo distinto en la tan repetida escena underargentina, llena de clichés y clones de clones de clones. Se destaca más que nada el humor en las letras, y la variación de temas muy cotidianos. En “¿Qué hubiera hecho Mac Gyver?” se relata la situación de encontrarse a un desconocido en el colectivo y tener que entablar una conversación forzadamente. “El que está al lado del cantante de los Piojos” cuenta la historia del integrante que toca la segunda guitarra y cómo se siente ignorado por el público y la fama. Después hay otros sobre ponerse viejo, burlas a los programas de cable de bajo presupuesto, a las promotoras de TC, y a las frases que todo hombre le tiene que decir a su novia para conservar la tranquilidad en la pareja.

En lo que respecta a lo musical, la banda salió del punk de garage y evolucionó completamente incorporando teclados y llegando a una calidad de sonido que la mayoría de las bandas independientes no pueden llegar. Actualmente se encuentran grabando un álbum doble donde se espera más humor y un poco más de influencia del rock de garage con el que empezaron.

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Delorean

Desde el norte de España llega Delorean, cuatro noctámbulos que ofrecen uno de los discos más bailables, contagiosos, sincopados y calientes del 2004. Tras sus orígenes pop con un sonido más cercano a Get Up Kids, o Rentals que dieron como resultado su primer trabajo Silohuettes en el 2001, Delorean supo juntar en su segundo trabajo la oscuridad, frialdad y un poco del pop de los ’80 a lo The Cure y New Order, con la actitud punk de bandas más contemporáneas como The Rapture o Sunshine.

Poco a poco la evolución de la banda les lleva a ir concretando su propio sonido y estilo: un bajo cada vez más groovie, una batería cada vez más sincronizada y unos sintetizadores cada vez más presentes. El resultado: un disco con un sentido del baile, del ritmo, de la nocturnidad hasta la mañana. Guitarras atmosféricas, ritmos adictivos y melodías que se te quedan en la cabeza desde la primera escucha. Nueve canciones de punk pop bailable, rítmico y pegadizo.

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Pretty. Odd.

Si estás buscando las voces hiperactivas acompañadas y los sintetizadores del disco anterior, A Fever You Can’t Sweat Out, Pretty. Odd. no es el álbum que vas a escuchar porque parece que el cuarteto de Las Vegas dejaron de lado la fiebre por el dancerock. El guitarrista y compositor Ryan Ross pasó su tiempo buscando entre tantos discos de los Beatles y los Beach Boys para reinventar su estilo.

En vez de usar típicas referencias pop culturales como base para sus letras, el estilo de Ross en Pretty. Odd. es a veces profundo, a veces enfurecido, pero más que nada sin sentido y absurdo. Si éste álbum hubiera salido hace décadas hubiera sido uno de los mejores discos del mundo, pero puede ser que la generación de fanáticos del dancerock de Fever se sientan desilusionados por los cambios.

Personalmente en un álbum que no puedo dejar de escuchar sin importar todas las críticas que los vean como un plagio desde Sgt. Pepper’s hasta Magical Mystery Tour. Por momentos hasta me alegra que la banda dejó de ser parte de la escena de Ramen y se pusieron a lo nerd a escribir canciones pop de los ’60 para incorporar su (nuevo) sonido.

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Teddy Picker

Teddy Picker es el tercer single del segundo álbum de los Arctic Monkeys, Favourite Worst Nightmare. La canción hace referencia a la popularidad de las celebridades, mostrando desprecio hacia las personas que están tan desesperadas por volverse famosas. El single tiene dos b-sides ("The Death Ramps", "Nettles") que son acreditados a la banda The Death Ramps, un pseudónimo de los monos.

1. Teddy Picker
2. Bad Woman (feat. Richard Hawley)
3. The Death Ramps
4. Nettles

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Get Color

HEALTH es una banda californiana de noise rock, y el año pasado sacaron uno de los mejores discos del 2009 con mayúsculas, elogiado por su energía desbordada pero estructurada, con guitarras duras y matices de sintetizadores que por momentos dan un sonido redondo al álbum. Si no estás abierto al noise rock entonces es imposible que lo entiendas, por eso creo que es música fácil de admirar pero difícil de disfrutar.

Get Color trabaja sobre lo pesadisimo que fue el disco anterior y trae un sonido más suave. No se pierden las guitarras violentas y la textura abrasiva, pero se agregan voces pobres para formar un sonido más coherente. Es un disco que está hecho para escuchar con los mejores auriculares que tengas en tu casa sin hacer nada más que escucharlo.

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Black Holes and Revelations

No sé hasta dónde piensan llegar con su música, pero cada vez se reinventan y se superan, a pesar de que ya se convirtieron en una banda de rock conocida en todo el mundo y con muchisimas ventas. A tres años del último disco oficial, los ingleses de Muse llegaron con su cuarto álbum de estudio Black Holes and Revelations. Si bien es uno de los discos más exitosos de la banda, comercialmente hablando, muchos fans se sintieron decepcionados con la entrega, pero supongo que ese es el premio que las bandas grandes tienen que pagar por experimentar. En partes se habla del álbum cono una saturación de arreglos y post producción, donde se pierde la crudeza de las guitarras, la pureza de las baterias y el aporte de los bajos.

Personalmente, opino que es difícil que a cualquier persona que aprecie la música y escuche de todo no le guste este disco, a pesar de que algunos temas puedan asustar al que escuchaba los trabajos anteriores de Muse, al escuchar un sonido distinto al que se esperaba en un principio. Lo cierto es que los ingleses se renuevan con cada entrega que nos ofrecen y lo hacen cada vez mejor. Parecía difícil superar la perfección de un disco redondo de principio a fin como era Absolution, o la frescura, fuerza y crudeza de Origin of Symmetry, pero los igualaron y superaron, agarrando todo lo mejor de sus discos anteriores en un disco de experimentación que se hace corto, que se disfruta de principio a fin, y conserva el sonido en constante evolución de Muse.

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Fluorescent Adolescent

Fluorescent Adolescent es el segundo single del segundo álbum de los Arctic Monkeys, Favourite Worst Nightmare, que los consagró como uno de los mejores grupos de la escena indie del momento, aunque se hayan estado alejando poco a poco de sus raíces.

1. Fluorescent Adolescent
2. The Bakery
3. Plastic Tramp
4. Too Much to Ask

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Origin of Symmetry

Después del álbum debut Showbiz, que los mandó a la categoría de grupo revelación y que dejaba ver su potencial, volvió Muse con nuevas canciones de grandilocuencia barroca y magia esotérica. Origin of Symmetry sorprendió, sobretodo, por su toque de neo-clasicismo como si se tratara de una sinfonía moderna. Nada más hay que escuchar Megalomania que termina con un órgano muy eclesiástico, o el piano en Space Dementia. A todo esto encima hay que sumarle la angustiosa y delirante voz de Matthew Bellamy que muchas veces alcanza notas imposibles, como demuestra en Micro Cuts.

En su trabajo anterior, a Bellamy lo habían criticado de copiar demasiado el tic vocal nervioso de Thom Yorke o el llanto convertido en falsete de Freddy Mercury. Fue con este disco que las críticas pararon ya que son muchos los que se mandan falsetes desgarradores en canciones, pero pocos los que lo hacían con la fuerza de Bellamy. El bajista Chris Wolstenhome y el baterista Dominic Howard también volvieron con muchísima más fuerza y más matices.

Los instrumentos se volvieron en el acompañamiento ideal para reflejar la atmósfera inquietante de cada canción. Puede que haya mucha gente a la que no le guste este álbum, pero nade le va a poder sacar la originalidad con la que Muse selló su segundo disco, que marcó un antes y un después en el modo de componer de la banda y el género.

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Volume Two

Ella (Zooey Deschanel, super actriz) y él (M. Ward, compositor de unos de los mejores discos del año pasado), vuelven por más. Ante todo, tengo que decir que escuche Volume Two antes que el Volume One, y me gustó bastante el trabajo. Hoy es dificil encontrar un indie pop tan puro sacando de lado las melodías y melancolías de Belle and Sebastian y Camera Obscura. Más que nada noto que M. Ward estuvo menos presente que en el anterior, dejandole todo el protagonismo a Zooey, cosa que hasta el momento funciona.

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Dog On Wheels

Iba a hacer un super posteo de Sgt. Pepper's pero no me dio el tiempo así que dejo el primer EP de Belle & Sebastian. Estas tres canciones (cuatro si contas The State I Am In de Tigermilk) me ayudaron bastante cuando quería escuchar mas canciones de la banda y todavía no me daban ganas de bajarme nada después de Fold You Hands Child. Tiene un par de errores el audio pero no existen versiones mp3 que no los tengan porque son un rip de los vinilos originales.

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